«Trio Osaki» è il nuovo disco di Mauro Ottolini. È realizzato in trio assieme a Thomas Sinigaglia alla fisarmonica e Marco Bianchi alla chitarra classica. La musica suonata attraversa i generi: dal jazz al folk, al tango alla musica Latin alla classica contemporanea. Il trombonista arrangia temi passati, e anche originali, per ripresentarli in chiave moderna e squisitamente melodica.
Mauro, il Trio Osaki è l’altra parte del tuo essere musicista: da una c’è quella ufficiale di jazzista e poi c’è un’altra dove suoni le musiche del mondo. Quest’ultima rientra a pieno titolo nei tuoi progetti discografici degli ultimi anni.
Non credo di avere un’etichetta ben precisa. Suono quello che sento. Se ascolto un bel brano che sia jazz o popolare quello per me è musica. Resta assodato che l’approccio è jazz, poi ci lavoro e improvviso. Il jazz è tutto quello che puoi trattare in maniera libera. Cerco sempre di fare qualche pezzo che ha un senso con l’impianto del disco che vado a realizzare. Questo progetto l’ho dedicato al mio maestro Lorenzo Rigo, che è tutt’ora in vita. È stato il mio insegnante di trombone classico. Durante il mio percorso di studi, a un certo punto, mi disse che avevo talento per suonare jazz. In quel periodo non c’erano molti trombonisti insegnanti di jazz. Mi consigliò di andare a lezione da Mario Pezzotta con cui ho studiato per qualche anno. Era un grande trombonista, jazzista e non solo. Un musicista a mezza via come Oscar Valdambrini e diversi altri. Suonavano per la Rai, collaboravano con gli arrangiatori della RCA e poi facevano jazz, incidendo dischi con brani di Ellington e pezzi Dixieland. Era un autodidatta come tutti i più grandi musicisti che ho incontrato nella mia vita. Franco D’Andrea e Enrico Rava sono degli autodidatti. «Trio Osaki» rappresenta per me quel percorso, dove trovo notevoli affinità tra musica colta di fine ottocento e primi del novecento e il jazz. Per questo ho rifatto delle variazioni sui temi di François Poulenc nel brano Sonata for horn, trumpet and trombone/Ottolini Jazz Variations: per giunta in questo brano suono la tromba bassa. Poi c’è Gorni Kramer, un artista che aveva un piede nelle canzoni e l’altro nel jazz. Era un grande fisarmonicista. Il brano Carovana Negra, che è nel disco, viene suonato solo dai musicisti classici perché è tutto scritto. Invece io ci ho messo dentro anche le improvvisazioni. Si ispira a Duke Ellington ma i maestri sono sempre gli stessi per tutti. È un disco che vuole segnare un incontro tra i grandi musicisti contemporanei che hanno creato cose meravigliose: Stravinsky era un genio ma anche Milhaud e Schönberg. Ho imparato ad apprezzare questi autori quando ho capito il jazz. Chopin l’ho rivisto tutto e penso sia un jazzista. I Notturni sono improvvisazioni che poi ha messo per iscritto. «Trio Osaki» rifugge la catalogazione: c’è musica bella e musica brutta.
Da quanto tempo suonate assieme tu, Marco Bianchi e Thomas Sinigaglia? E quale è l’origine del nome del gruppo, visto che possiede questo allure esotico?
Stiamo insieme come trio dal 2020 circa. L’anno seguente siamo stati invitati ad Osaka per suonare ma il concerto non si è fatto a causa del Covid. Il concerto è stato registrato e mandato via video da parte dell’organizzazione giapponese: lo si trova su You Tube. Il nome richiama quello della città. Così è nato Trio Osaki. In seguito ci siamo divertiti a giocare con gli accenti e a cambiarne i significati. Allo stesso modo mi diverto a variare il significato dei brani: un pezzo di Poulenc lo trasformo in jazz modificando le parole del titolo.
Come vi siete incontrati, visto che avete personalità e background completamente diversi l’uno dall’altro?
Sono molto amico di Thomas Sinigaglia. Abbiamo collaborato tante volte insieme. Io amo la fisarmonica! È stato il primo strumento che ho cominciato a suonare. Mio papà ne aveva vinta una e io ho cominciato a suonarla da autodidatta. Da sempre amo il connubio fisarmonica trombone. Mi piace la sonorità formata da trombone, chitarra classica e fisarmonica. Mi porta indietro nel tempo e mi fa ricordare i gruppi folk che suonavano nelle aie.
Il disco ha un fascino rétro, una sorta di salto indietro nel tempo.
Infatti, noi con questi tre strumenti ancestrali percorriamo territori moderni liberi di sperimentare attraverso l’espressività del jazz. Lo faccio dopo aver studiato con dovizia la materia. Ho messo le mani su Poulenc dopo aver studiato il suo repertorio in maniera filologica e suonato la sua composizione, Sonata for horn, trumpet and trombone, in versione classica. Questo perché per molti anni ho suonato musica classica e tenuto concerti
In «Trio Osaki» è evidente che c’è un’iterazione perfetta tra voi tre. Marco Bianchi, che è il chitarrista del gruppo, in questo disco dà l’impressione di suonare anche il basso così da fornirvi una struttura ritmica di base.
Il disco è stato registrato in presa diretta. Marco Bianchi l’ho chiamato perché è uno specialista della chitarra classica. Volevo quel suono. Lui suona come un chitarrista classico che fa jazz. Così il trio è completo. I pezzi sono arrangiati ma ci sono anche momenti di grande libertà.
Al trio hai anche aggiunto Giulio Scaramella e Francesco Bearzatti per dare un tocco più immaginifico e suggestivo alla vostra musica.
Li ho aggiunti perché avevo scritto un pezzo intitolato Una farfalla di nome Vanessa, un brano dedicato a Vanessa Tagliabue Yorke. Il brano racconta la nascita e la morte di una farfalla. Ho immaginato una farfalla che esce dal suo bozzolo, comincia a volare incontrando la bellezza del mondo. In questo suo viaggio che dura un giorno, come la sua vita, incontra delle situazioni ostili e un calabrone con il quale viaggiano insieme. A un certo punto la farfalla scompare nel cielo stellato ponendo fine alla sua vita naturale. L’ispirazione nasce guardando i film del regista Franco Piavoli. Ha dedicato la sua carriera a filmare in vari modi e con poetica la natura. Ho immaginato di costruire la colonna sonora di un suo film.
Ascoltando «Trio Osaki» si ha l’impressione che tu sia un cantante che, non si sa per quale motivo, sia passato al trombone: quando suoni sembri più un cantante che uno strumentista. Il tuo è, paradossalmente, un disco cantato in cui non compare la voce. Probabilmente questo è dovuto al fatto che non si suona solo jazz.
Si, io a volte mi esprimo cantando, soprattutto Buscaglione, Carosone e altri. A me non piace ostentare la tecnica. Mantengo sempre quella componente melodica perché preferisco suonare in quel modo. Tra i miei ascolti ci sono quei musicisti che non fanno migliaia di note al secondo. Il mio bassista preferito è Charlie Haden: ha suonato sempre della grande musica senza mai lasciarsi andare a tecnicismi. Mi piace ascoltare Miles e Chet Baker. Fanno due note e ti danno quella magia. Con il trombone non è facile cantare bene. Io cerco sempre di mantenere un suono bello, vibrato, con la legatura, come facevano i vecchi trombonisti. Uno che mi piace molto è Jack Teagarden che è anche un grande cantante. Era un virtuoso dello strumento. Poi quando cantava era fantastico. C’è anche Louis Armstrong, che cantava. Ho studiato e suonato tutto il jazz delle origini ma mi piace anche l’avanguardia. Nel disco suono anche un pezzo di Don Cherry, Art Deco, affrontandolo in chiave New Orleans. In «Trio Osaki» ho usato delle sordine originali degli anni Venti. Amo cambiare i suoni non con espedienti elettronici ma con oggetti acustici. Mi servono per trasformare i colori, anche nell’accoppiata clarinetto/trombone. Sono sempre alla ricerca di soluzioni timbriche. Non do nulla di scontato. Un gruppo per poter funzionare deve essere collegato dal suono, dall’idea dei colori e dalle dinamiche sonore. Cose che a volte vengono messe in secondo piano. Per me non è così perché questo disco ha una forte connessione con la musica contemporanea classica colta. Adesso stiamo portando in giro una sonorizzazione del film Go West di Buster Keaton. Funziona perché abbiamo lavorato su quei dettagli di cui parlavo prima. Ci sono brani nuovi, moderni, che ritornano indietro nel passato. Anche Monk era fatto così: molto moderno ma che a volte lavorava su strutture di brani tradizionali. Mingus era un altro.
In «Trio Osaki», ci sono alcuni brani originali come Una Farfalla di nome Vanessa, il tango di Another Surprise, scritti da te, e uno Latin di Thomas Sinigaglia che sorprendentemente apre il disco e s’intitola O Diabo e a Agua Benta. Ce ne puoi parlare?
O Diabo e a Agua Benta di Thomas è un brano difficilissimo. Molto particolare e contemporaneo. Ha un ritmo samba ironico e dal sapore armonico contemporaneo. È un pezzo che abbiamo studiato approfonditamente perché tecnicamente complicato. In questo suono il trombone. L’ho inserito all’inizio della scaletta perché rappresenta esattamente l’idea del disco. È stato costruito per funzionare con il trio, così come anche gli altri brani. I brani di «Trio Osaki» non sono troppo lunghi. È come si faceva un tempo. Non è un disco di free altrimenti sarebbe stato diverso. C’è un giusto equilibrio tra improvvisazione, arrangiamento e composizione.
C’è un brano splendido, sofisticato e delicato allo stesso tempo, che s’intitola Flor de lino. La vostra versione ne accentua il lato moderno senza svilire la sua rilevanza storica.
L’ha scritto Hector Stamponi che è stato uno dei più importanti compositori di musica argentina. È un pezzo in tre quarti ma fa parte del repertorio del tango argentino. È un tango in tre. Ho scoperto questo brano grazie a una mia studentessa del conservatorio che veniva da una scuola argentina. Era di formazione classica ma ha voluto fare qualche lezione di jazz. Le ho chiesto se aveva del materiale registrato. Mi ha dato un disco in cui cantava. Ascoltandolo, sono rimasto folgorato. Le ho chiesto se conosceva il brano Flor de lino che avevo ascoltato dall’orchestra di Aníbal Troilo. Me lo ha cantato assieme al suo amico chitarrista. Me ne sono innamorato e l’ho registrato.
Per avere un repertorio completo, che abbracci più generi, avete inserito anche And Then She Stopped di Dizzy Gillespie.
Il pezzo l’ho voluto suonare con le conchiglie. Non è un brano che si ascolta usualmente o viene suonato spesso da altri jazzisti. L’ho provato più volte con il trombone ma poi ho deciso con le conchiglie perché veniva bene. Ho fatto la stessa cosa anche in Hommage à Anton Pann che è del jazzista rumeno Nicolas Simion. Un brano di jazz popolare.
Il disco si chiude come in un film, con il Tango dei Clown di Nino Rota.
Nino Rota è un autore jazz. Così come lo è Puccini, il Gil Evans della lirica. Il maestro Lorenzo Rigo a suo tempo mi insegnò il concerto di Nino Rota per trombone e orchestra che lui stesso concertò con Nino Rota. Rota è stato un grande musicista. Dal punto di vista classico senti che c’è qualcosa di diverso rispetto a quello che ha scritto per i film ma senti anche che c’è qualcosa di vicino al jazz, seppur abbozzato. Anche questo brano l’ho portato indietro. Ha un andamento blues. Una sorta di habanera e possiede un tema bellissimo. Mi sono divertito a suonarlo con il trombone anche se Nino Rota avrebbe avuto qualcosa da ridire…. Insomma abbiamo fatto un disco contaminato, tra il popolare e il jazz.
