Complimenti per questo tuo importante traguardo: 40 anni dal primo album. Quanto sono cambiate le tue scelte musicali e la tua tecnica nel corso del tempo?
Anche se la musica è rimasta la stessa, credo che le scelte siano migliorate. Sto invecchiando e spero di avere una sorta di maturità nelle scelte che faccio. In questi 40 anni ci sono state scelte divertenti, come i dischi dei Beatles, «Double Exposure» e i due dischi di Bossa Nova. Credo che la tecnica di realizzazione dei dischi sia migliorata solo perché l’abbiamo fatto così tanto. Oggi ci divertiamo di più in studio e non ci preoccupiamo di fare dischi alla moda o che vendano molto, ma solo buoni dischi che possano resistere alla prova del tempo.
Credi già di poter fare fare un primo bilancio della tua carriera?
Guardando ai quarant’anni passati, direi che posso suddividere la mia carriera in decenni. Nei primi dieci anni ci sono stati tre dischi per la Stash Records. Poi un paio che ho inciso con mio padre Bucky. Alla fine del primo decennio è arrivato My Blue Heaven per la Chesky, che è stato un album importante per me. Il secondo decennio è stato il periodo del big business discografico: ho lavorato con il gruppo BMG e le loro etichette RCA e Novus e al mio gruppo si è unito Ray Kennedy. Dieci anni di grande lavoro, di corse, di impegni, di concerti per Sinatra, e alla fine di quei dieci anni facevo concerti e dischi con Rosemary Clooney, e un po’ di lavoro in studio qua e là. Gli ultimi 20 anni sono stati i più interessanti e quelli di cui sono più soddisfatto. Ho fatto un grande disco con la Clayton Hamilton Jazz Orchestra, sono stato in tournée in Europa, ho realizzato «Sinatra & Jobim @ 50», il disco di Paul McCartney, «Double Exposure» e il mio nuovo disco, «Stage & Screen», che spero sia davvero l’inizio di un altro decennio.
«Stage & Screen» è dedicato alle canzoni di Hollywood e Broadway. Cosa ti affascina di questo doppio universo?
Dopo la pandemia mi sono reso conto che la maggior parte delle canzoni che abbiamo incontrato avevano a che fare con il palcoscenico o con lo schermo, il che mi ha portato a questa idea. Una volta chiarito il tema, ho riempito gli spazi vuoti.
Tra l’altro, le opere da cui sono tratti i brani vanno dal 1925 al XXI secolo contemporaneo. Mi risulta che tu sia un appassionato di musical.
Proprio così. Sono un appassionato di musical e mia moglie è cresciuta in questo ambiente. Lei lavorava nel teatro musicale, quindi ho avuto modo di conoscere molte persone coinvolte in questo ambito. Vedere nuovi musical e assistere a revival di vecchi musical è stata una parte piacevole della mia vita. Molte melodie di «Stage & Screen», come il brano di Kander e Ebb Coffee in a Cardboard Cup e la canzone I Love Betsy di Jason Robert Brown, che è un mio amico, sono il risultato diretto del mio matrimonio con Jessica Molaskey.
Vuoi parlarci del nuovo trio di musicisti che formano la tua band?
Isaiah J. Thompson si è unito alla band nel 2019 e Mike Karn intorno al 2016. Isaiah J. Thompson è un pianista fantastico al pianoforte e Mike Karn è un bassista eccezionale. È un gruppo strepitoso. Siamo riusciti a dare solo un paio di concerti prima del lockdown, e alcuni altri l’anno scorso. È così che è nata la nuova musica. Alla fine del 2021 eravamo riusciti a lavorare insieme sul nostro sound e a realizzare il disco. Ci sentiamo davvero bene insieme e credo che questo emerga dal disco.
Quali autori di colonne sonore e/o musical consideri i migliori?
Credo che alcuni dei miei preferiti siano già sul disco. Secondo me, Jason Robert Brown è uno dei migliori della nuova generazione di autori di canzoni di Broadway. Poi ci sono Rodgers e Hammerstein, e Richard Rodgers che ha scritto tutte le grandi melodie di Oklahoma che abbiamo nel disco, e Kander e Ebb. Questi sono quelli che considero tra i migliori, ma ce ne sono così tanti, ed è questo il bello.
Ho apprezzato molto anche il tuo album «Better Days Ahead» dedicato alla musica di Pat Metheny. Posso chiederti perché hai deciso di registrare questo album?
Era l’inizio del lockdown e i miei genitori erano morti a distanza di otto giorni l’uno dall’altro, l’1 e l’8 aprile. Ho deciso di registrare l’album perché non avevo nulla da fare in quel momento. Un giorno stavo suonando James e poi mi è venuta l’idea che forse avrei dovuto imparare Better Days Ahead, che poteva essere interessante, e così ho iniziato a pensarci su. La cosa bella era che potevo stare seduto qui tutto il giorno e il telefono non squillava mai perché non succedeva niente, non c’era niente da fare! Ho iniziato a lavorare su James, Better Days Ahead e Last Train Home. Erano i tre brani che ricordavo. Ho deciso di immergermi nella musica come modo per superare il lutto, in mancanza di un termine migliore. Mi è sempre piaciuta la musica di Pat Metheny ed era davvero un aspetto che volevo esplorare da solo. La musica era qualcosa di rilassante, ma anche stimolante da suonare.
Ma negli anni quanto hai influito sulle tue scelte la figura, la presenza di tuo padre Bucky?
Mentre suonavo e registravo quei pezzi lo avevo sempre in mente, perché lo sentivo dire «rallenta» o «accelera», anche se in realtà non avrebbe mai detto «accelera!» E di pensare al pezzo come a un pezzo melodico e di non preoccuparsi di suonarci sopra del jazz, ma solo di portare avanti la musica. Mio padre suonava molto la chitarra classica quando ero piccolo, e pensavo molto a quel suono quando stavo lavorando all’album sulla musica di Pat Metheny.
So che hai iniziato con il banjo, ma cosa ti ha spinto a passare alla chitarra?
C’erano solo chitarre in casa e io volevo far parte di gruppi rock, ma non c’erano banjo nei gruppi rock! Ho imparato il banjo da bambino. Mio padre lasciava le chitarre su tutte le sedie di casa nostra, non le metteva mai via. Così se volevi sederti su un divano dovevi spostare una chitarra! Alla fine ho pensato che è la stessa cosa del banjo, solo che ha due corde in più, e ho iniziato a suonare la chitarra.
Hai sempre suonato jazz fin da ragazzo?
Non suonavo jazz da piccolo, ho iniziato a suonarne un po’ di più verso la fine dell’adolescenza. Un mio amico mi ha regalato un disco di Chick Corea, da lì ho imparato Spain e l’abbiamo suonata nella nostra band. Suonavamo un sacco di musica dei Beatles e di Peter Frampton, e mio padre mi disse: «Be’, se puoi imparare Spain…». Mio padre lavorava con un chitarrista ben conosciuto, di nome George Barnes, avevano fatto alcuni dischi in duo, e mi fece imparare le parti di George per poter suonare insieme.
Quindi, per riassumere: hai suonato banjo, tromba, chitarra. Come sei arrivato a cantare?
Da ragazzo cantavo brani dei Beatles e altre cose nelle band. Mi è sempre piaciuto cantare. Quando ho iniziato a suonare di più con mio padre, lavorando in piccoli ristoranti e suonando negli angoli, mi sono venute in mente tutte le canzoni di Nat King Cole. A 21 anni ho iniziato a cantare Frim Fram Sauce, Route 66 e Straighten Up and Fly Right, e tutto questo è stato l’inizio di come sono arrivato a suonare il jazz e a diventare un musicista jazz.
Hai sempre collaborato con molti artisti anche nell’ambito della musica pop. Quali differenze trovi tra il mondo del jazz e quello del pop?
Non ci sono molte differenze. Quello che trovo interessante è il processo di registrazione per i musicisti. Nel mondo del jazz si fanno i dischi molto velocemente. Quando ho registrato con James Taylor e Paul McCartney abbiamo avuto molto tempo per fare i dischi, che tendono a essere molto approfonditi e ben pensati. Il processo è lo stesso, solo che nel mondo del jazz è più veloce per via dei budget.
In un’intervista hai detto che uno dei momenti più belli della sua carriera è stato aprire il concerto di Frank Sinatra. C’è qualcosa di particolare di quella performance che ti è rimasta impressa nella memoria?
L’opening per Frank Sinatra è stato emozionante. Ripensandoci, trent’anni fa, è stato strano trovarsi in quelle arene. Suonavamo per 10.000 persone a sera. Il primo concerto a Dortmund in Germania era per 5.000 persone, ma tutto il resto era a cinque cifre. Ad Amburgo abbiamo suonato per 20.000 persone, quindi è stato strano. È passato tutto così in fretta. È difficile ripensarci e pensare a qualcosa, anche se nella mia mente nessuna delle performance è stata così forte da parte mia. Stavo solo cercando di non fallire.
Hai accennato alla sua esperienza con James Taylor. Nel 2002 Taylor ha fatto una serie di date con John Williams, una delle quali all’Hollywood Bowl con la Filarmonica di Los Angeles, e tu eri nella band. Ci racconti com’è andata?
È stato molto divertente. Con James ce la siamo davvero spassata. Abbiamo suonato all’Hollywood Bowl e a Tanglewood. Tanglewood è stato particolarmente buffo perché c’era così tanto pubblico allo spettacolo che una gran parte è riuscita a entrare solo quando James ha iniziato il secondo tempo. E nell’intervallo ha ci detto: «Se conoscete altre mie canzoni, suoniamole alla fine, così le persone che non sono entrate possono avere venti minuti di musica». È stato molto piacevole. Abbiamo suonato Steamroller e Don’t Let Me Be Lonely Tonight, davvero una grande emozione. Anche con John Williams è stato entusiasmante. È sempre meraviglioso suonare con l’orchestra.
E con Paul McCartney com’è andata?
Anche in questo caso è stato emozionante, e l’idea di essere nella stessa stanza con qualcuno che ha avuto un effetto così profondo sul perché faccio ciò che faccio mi ha colto davvero di sorpresa. James Taylor e Paul McCartney hanno influenzato molto la mia vita, e suonare con loro è stato appassionante e coinvolgente. Ogni tanto Paul raccontava un aneddoto sui Beatles. Taylor e McCartney hanno una tale energia in studio, e prendono decisioni così intelligenti, da farti capire perché sono i grandi che sono. Sanno cosa vogliono ottenere, ed è fonte di grande emozione assistere a questo procedimento.
Quante chitarre possiedi?
Un’enormità! Quindici, venti… Ho ancora alcune chitarre di mio padre che ha costruito il liutaio Bill Moll. Ryan Thorell mi ha fatto una chitarra a sette corde non-cutaway alla Charlie Christian, e ho una bellissima chitarra classica a sette corde proveniente dalla Bulgaria che ho appena comprato online, è davvero fantastica. Cerco di suonarle tutte per tenerle in forma.
Oltre a suo padre Bucky, quali sono i musicisti che consideri i tuoi mentori?
Uno è Pat Metheny. Mi è stato di grande aiuto quando ho realizzato il disco. Abbiamo scambiato diverse e-mail, ci siamo scritti per un po’, mi ha mandato della musica ed è stata un’esperienza davvero positiva. Rick Haydon di Edwardsville, con cui parlo spesso, era il migliore amico di Ray Kennedy, che era il pianista del nostro primo trio negli anni Novanta. Rick è stato di grande aiuto nel guidarmi nella giusta direzione per quanto riguarda la musica e l’attrezzatura, tra le altre cose. Ma mio padre è il mio vero mentore.
Di tutta la miriade di concerti e performance di alto profilo, quali sono quelli che occupano un posto speciale per te e perché?
Ci sono alcuni concerti che ho fatto con mio padre che sono stati particolarmente belli e che ricordo, concerti come tanti ma che sono stati particolarmente divertenti da suonare. Ce ne sono anche altri che ho tenuto al Montréal Jazz Festival, uno era un concerto di Bossa Nova, credo intorno al 2004. Direi anche che una serata sui Beatles che ho fatto a Montréal, dove abbiamo suonato tutte le canzoni del mio disco dei Beatles con un’orchestra, è stata davvero fantastica. Insomma, ho moltissimi ricordi che ancora mi colpiscono. Anche fare dischi con Jessica Molaskey è stato divertente. Abbiamo fatto un gran bel disco su Joni Mitchell che è stato di grande soddisfazione.
Quali sono i vostri progetti futuri?
Siamo nelle prime fasi di lavorazione di un nuovo disco che spero davvero di poter pubblicare nei prossimi anni. Non vedo l’ora di viaggiare e andare in tournée per promuovere «Stage & Screen», e sono entusiasta di portare il trio in giro ancora una volta. È arrivato il momento di tornare a lavorare regolarmente col gruppo e questo è l’anno giusto per riprendere. Sarebbe davvero bello se potessi venire anche in Italia, ora che la mia cucina è migliorata! Da voi è sempre una gioia.
