Nell’ultima settimana di JAZZMI 2026 abbiamo seguito alcuni appuntamenti che hanno offerto interessanti spunti di riflessione sulle direzioni intraprese dalla musica afroamericana. Tra questi, un posto particolare lo occupa James Brandon Lewis, ascoltato per la quinta volta nel corso dell’anno e nuovamente alle prese con una formazione che avevamo già avuto modo di apprezzare quasi dodici mesi prima.
Louis Cole & David Binney
Il primo appuntamento è stato quello di martedì 3 novembre alla Triennale Milano Teatro, con Louis Cole e David Binney. Batterista, compositore e polistrumentista, Cole è una delle figure più riconoscibili della scena musicale alternativa di Los Angeles, al crocevia fra jazz-funk, elettronica e pop sperimentale. Fondatore, insieme alla cantante Genevieve Artadi, del duo Knower, ha costruito una notevole popolarità grazie a una produzione audiovisiva che ha raggiunto milioni di visualizzazioni sulle piattaforme digitali, conquistando soprattutto il pubblico più giovane. Tra le sue collaborazioni figurano quelle con Thundercat e Snarky Puppy, mentre diversi suoi lavori solisti sono stati pubblicati da Brainfeeder, l’etichetta fondata da Flying Lotus. Il suo percorso si inserisce in un ambiente particolarmente vivace, nel quale generi e linguaggi musicali differenti convivono senza particolari gerarchie.
Il direttore artistico Luciano Linzi aveva presentato l’appuntamento come un possibile sguardo sul jazz del futuro, alimentando inevitabilmente le aspettative nei confronti del concerto. La scelta di collocare il progetto in una cornice prestigiosa come quella della Triennale lasciava tuttavia qualche interrogativo sulla natura dello spazio prescelto. La musica di Cole, per immediatezza, volume e componente ritmica, avrebbe probabilmente trovato una collocazione più congeniale in un locale con posti in piedi, dove il pubblico potesse partecipare fisicamente al flusso sonoro.
Ricondurre il linguaggio di Cole al jazz è, in parte, un’operazione forzata. Si tratta certamente di un musicista dotato di mezzi tecnici considerevoli, di un suono potente e di una notevole padronanza delle strutture poliritmiche, ma il suo immaginario guarda soprattutto alla drum and bass, alla jungle, al mathcore e alla techno. Dal jazz sembra ereditare soprattutto una certa concezione della costruzione della scaletta, con l’alternanza fra episodi lenti e delicati, talvolta affidati anche alla sua voce, e improvvise accelerazioni ad altissimi BPM, sostenute da groove aggressivi e incalzanti. Una dialettica che, per certi versi, può ricordare quella tradizionale fra ballad e brani veloci, pur declinata attraverso coordinate estetiche radicalmente differenti.
Il contributo di David Binney ha introdotto in questo progetto l’esperienza di un musicista profondamente legato alla tradizione jazzistica, ma abituato a confrontarsi con materiali sonori eterogenei. Figura di primo piano della scena underground newyorkese degli anni Novanta, Binney si è trasferito successivamente a Los Angeles, dove ha avviato la collaborazione con Cole. Non è un caso che, all’uscita del concerto, fosse possibile acquistare anche un suo disco pubblicato per Criss Cross, etichetta storicamente legata allo straight-ahead jazz. La parabola artistica del sassofonista testimonia bene la natura onnivora di molti protagonisti di quella generazione, capaci di attraversare con disinvoltura esperienze musicali anche molto distanti, dal jazz più tradizionale alle sottoculture sonore sviluppatesi soprattutto a partire dagli anni Novanta.
Nel corso dell’esibizione Binney ha fatto ricorso a effetti di delay e manipolazioni del suono, introducendo nuove sfumature in un impianto musicale che tende a privilegiare un’estetica diretta, acida e ostinata. Cole, dal canto suo, ha integrato la batteria con basi campionate e dispositivi elettronici. In alcuni momenti la musica ha raggiunto livelli di intensità considerevoli, sostenuta da intrecci ritmici particolarmente coinvolgenti. In molti pezzi tuttavia, proprio quando il flusso sonoro sembrava arrivare a una tensione estrema, la conclusione del brano interveniva bruscamente, senza concedere al materiale una progressiva decostruzione o un esaurimento naturale. Una soluzione riproposta più volte, che alla lunga è sembrata prevedibile, limitando le possibilità di sviluppo del discorso musicale.
Nell’arco di un’ora e mezza, tuttavia, sono emersi anche i limiti di una formula che, pur offrendo momenti di grande intensità e soluzioni ritmiche interessanti, ha finito per mostrare una certa ripetitività. Un concerto di luci e ombre, che forse non è riuscito a esprimere fino in fondo le potenzialità della collaborazione fra i due musicisti.
James Brandon Lewis & The Messthetics
Sabato 7 novembre, alla Santeria Toscana, è stata invece la volta di James Brandon Lewis insieme ai Messthetics. Era la quinta occasione, nel corso del 2026, in cui ci capitava di assistere a un suo concerto. Ogni volta, attraverso formazioni e contesti profondamente differenti, il sassofonista è riuscito a restituirci un’immagine nuova di sé, confermando una versatilità che rappresenta uno degli aspetti più affascinanti della sua personalità artistica. Un talento che aveva già ricevuto un’investitura importante da parte di Sonny Rollins, il quale aveva indicato Lewis fra i giovani musicisti più promettenti della sua generazione.
Il nucleo centrale della produzione discografica di Lewis rimane certamente quello del quartetto, nel quale sta costruendo un repertorio originale all’interno di una formazione storicamente codificata come quella sassofono-pianoforte-contrabbasso-batteria. Una parte importante di questa ricerca nasce dall’esperienza del duo con il batterista Chad Taylor, protagonista anche dell’appuntamento parmense dell’ottobre 2026 dedicato a John Coltrane e Rashied Ali. Un omaggio a Interstellar Space che, lontano da qualsiasi tentazione nostalgica o calligrafica, ne recuperava soprattutto lo spirito di libertà e di confronto radicale fra due strumenti.
Non meno significative sono le esperienze con il Red Lily Quintet, così come le incursioni nella musica da camera, documentate da un lavoro per sassofono e quartetto d’archi. A queste si affianca il versante più elettrico della sua produzione, debitore delle culture drum and bass e alternative rock degli anni Novanta, esplorato tanto nel trio di Apple Cores quanto nella collaborazione con i Messthetics. Nel primo progetto prevalgono sonorità hip-hop, funk e dub, mentre il secondo attinge soprattutto all’alternative rock e al post-hardcore.
Quello che colpisce è la capacità di Lewis di mantenere un’identità immediatamente riconoscibile attraversando territori tanto diversi, senza ricorrere all’imitazione dei propri riferimenti e senza fossilizzarsi su un unico linguaggio. Ogni esperienza sembra alimentare le successive, contribuendo alla maturazione di una voce musicale sempre più consapevole. Una qualità particolarmente evidente nel confronto con il concerto dei Messthetics al festival Sons d’Hiver, al quale avevamo assistito all’inizio del 2026.
Già allora la formazione arrivava da un’intensa attività concertistica, con oltre cento date alle spalle; nel frattempo è stato pubblicato anche il secondo album realizzato insieme a Lewis, del quale avevamo parlato con il sassofonista sul numero di aprile 2026 di Musica Jazz. Ritrovare il gruppo a Milano ha permesso di apprezzarne l’evoluzione e il crescente affiatamento, maturati attraverso un lavoro comune sempre più approfondito.
La possibilità di assistere al concerto in piedi, in una dimensione più vicina a quella di un club rock che a una sala tradizionale, ha certamente favorito l’immersione nell’energia sprigionata dalla band. Per immaginare la natura di questo progetto, si potrebbe pensare a una formazione alternative rock nella quale la voce del cantante viene sostituita da quella di un sassofono, capace di assumere il ruolo di frontman senza rinunciare alla propria identità jazzistica.
La sezione ritmica è composta da Joe Lally e Brendan Canty, già membri dei Fugazi, gruppo fondamentale della scena post-hardcore americana, mentre alla chitarra troviamo Anthony Pirog, collaboratore ormai di lunga data di Lewis, con il quale ha sviluppato una notevole intesa. Il risultato è una formazione nella quale il sassofono non viene semplicemente sovrapposto a un impianto rock già esistente, ma diventa una componente essenziale della costruzione musicale.
Rispetto all’esibizione parigina, sono emersi nuovi brani e un lavoro di arrangiamento particolarmente interessante sulle parti affidate all’unisono fra sassofono e chitarra. La band ha ulteriormente affinato un’estetica che non ha nulla della semplice operazione nostalgica o della tribute band: l’obiettivo non è riprodurre il suono dell’alternative rock degli anni Novanta, ma utilizzare quell’immaginario come punto di partenza per costruire qualcosa di nuovo, nel quale il linguaggio jazzistico trovi una collocazione organica.
Una sfida non banale, soprattutto per la necessità di evitare che il sassofono venga percepito come un elemento estraneo a un contesto sonoro già fortemente caratterizzato. A Milano, invece, Lewis è apparso pienamente inserito nella struttura del gruppo, dialogando con Pirog e con la sezione ritmica con una naturalezza ancora maggiore rispetto al precedente incontro. È come se il lavoro svolto negli altri ambiti della sua attività avesse ulteriormente arricchito il contributo portato ai Messthetics, confermando quanto le diverse esperienze del sassofonista siano strettamente comunicanti.
L’accoglienza calorosa del pubblico ha dimostrato come Lewis stia conquistando consensi sinceri anche al di fuori degli ambienti prettamente jazzistici. Un risultato particolarmente significativo per un artista che continua a cercare nuove sfide senza rinunciare alla propria personalità, mostrando come sia possibile rivolgersi a pubblici differenti senza necessariamente modificare o semplificare il proprio linguaggio.
Isaiah Collier Quartet
L’ultimo appuntamento seguito è stato quello di domenica 8 novembre, con il quartetto di Isaiah Collier alla Triennale, nella giornata conclusiva del festival. Sassofonista di Chicago, classe 1998, Collier è oggi una delle voci più interessanti della nuova generazione di sassofonisti americani. Formatosi nell’ambiente dell’AACM, come ricordato dal direttore artistico Luciano Linzi, è inoltre una presenza ormai ricorrente nelle stagioni concertistiche e nei festival italiani.
Non è raro che venga indicato come uno degli eredi della lezione di John Coltrane. Un riferimento che trova effettivamente riscontro nell’impostazione del suo sax tenore, nella qualità dell’intonazione e nella chiarezza espositiva del fraseggio. In particolare, il concerto milanese ha restituito un’immagine del musicista vicina a quella fase della produzione coltraniana compresa fra la fine degli anni Cinquanta e i primi Sessanta, nella quale la ricchezza del suono, la costruzione melodica e la progressiva esplorazione delle possibilità armoniche rappresentavano elementi centrali del linguaggio del sassofonista.
Non dunque il Coltrane più radicale dell’ultima stagione, caratterizzato da un’esasperazione delle tensioni espressive e da una crescente libertà formale, ma quello impegnato a sviluppare un linguaggio nel quale la forza dell’improvvisazione conviveva ancora con un particolare equilibrio della forma e una grande attenzione alla dimensione melodica.
La formazione ha proposto tre lunghe composizioni, ciascuna della durata di circa venti minuti. L’apertura è stata affidata a una ballad particolarmente delicata, che ha immediatamente stabilito il carattere della serata. Nel corso del concerto è stato concesso ampio spazio ai singoli componenti: la pianista Liya Grigoryan e il contrabbassista Conway Campbell hanno avuto modo di sviluppare interventi estesi, mentre il batterista Tim Regis ha mantenuto un accompagnamento discreto e solido, senza mai risultare strabordante.
Particolarmente evidente è stato anche il ricorso di Collier al Mark Tree, utilizzato in diversi momenti per arricchire la trama percussiva. In numerosi passaggi il sassofonista ha temporaneamente abbandonato il proprio strumento, lasciando spazio alla sequenza pianoforte-contrabbasso-batteria e contribuendo direttamente alla costruzione del tessuto ritmico attraverso le percussioni. Una soluzione che ha permesso di articolare lo sviluppo delle composizioni, alternando gli interventi del leader a quelli degli altri componenti del quartetto.
Il confronto con James Brandon Lewis, ascoltato appena ventiquattr’ore prima, è quasi inevitabile, pur riguardando musicisti che stanno attraversando momenti differenti del proprio percorso artistico. Se nel sassofonista di Buffalo colpisce soprattutto la capacità di assimilare esperienze eterogenee e trasformarle in un linguaggio autentico, nel caso di Collier ci è sembrato che il riferimento alla tradizione coltraniana fosse ancora troppo esplicito.
In alcuni passaggi, la vicinanza a determinate soluzioni del passato è apparsa quasi calligrafica, come se il modello storico finisse per condizionare eccessivamente lo sviluppo del discorso musicale, anziché rappresentare un punto di partenza dal quale muoversi liberamente. Una differenza sostanziale rispetto a Lewis, che sembra invece aver già raggiunto quella maturità espressiva necessaria per far convivere le proprie influenze all’interno di una voce pienamente personale.
Detto questo, si è trattato comunque di un concerto di ottima qualità, suonato da musicisti preparati e capaci di sostenere con attenzione e sensibilità un repertorio impegnativo. La serata si è conclusa senza bis, anche per il rispetto dei tempi previsti dal programma, che avrebbe dovuto lasciare spazio agli ultimi due appuntamenti del festival, i due set dei Calibro 35.
Tre concerti che hanno restituito altrettante immagini del jazz contemporaneo americano, tra la ricerca di nuovi territori sonori e il confronto con un’eredità musicale che continua a rappresentare un punto di riferimento imprescindibile. In questo percorso attraverso JAZZMI, la figura di James Brandon Lewis è quella che ci ha maggiormente colpito. Ritrovarlo con i Messthetics, dopo averlo ascoltato in numerose altre formazioni, ha permesso di apprezzare la ricchezza di una ricerca che si sviluppa in molteplici direzioni, senza perdere coerenza e riconoscibilità. Un eterno ritorno che, almeno per il momento, non sembra avere alcuna intenzione di esaurirsi.
