Musica e pittura: intervista a Holger Theunert

Holger, tu vivi in Germania, ma la tua residenza artistica è l’Italia. Perché?
Perché penso che i miei quadri siano più vicini alla sensualità italiana, quella che provo durante le mie mostre. In Germania i dipinti realistici sono stati vietati, nel gusto del mondo dell’arte, a far data dalla fine della seconda guerra mondiale. E tale situazione, seppur non più perdurante, è ancora impressa nelle menti di molte persone e fa parte del loro patrimonio culturale. In Italia l’arte non è così lontana dalla vita, ne è parte integrante. Un secondo motivo importante è che mia moglie Monica, è sarda. Quindi passo molto tempo lì, luoghi che adoro.

Quindi, parli italiano!
Solo un po’, dopo una bottiglia di un buon vino sardo capisco anche l’italiano, parlato con lentezza!

Tu hai collaborato e collabori con molti musicisti e ti sei occupato di molte copertine di dischi. Cos’è che ti lega alla musica?
Forse, è un po’ come disse una volta Trish Keenan in una trasmissione televisiva: «La nostra musica è come una colonna sonora per un film che non esiste.». Quindi, alcuni dei miei dipinti potrebbero essere copertine di album che non verranno mai pubblicati. Ma alcuni lo sono, in effetti. Forse sono un buon ascoltatore. La musica è qualcosa che ammiro. Per il mio lavoro è essenziale, perché mentre dipingo mi dà un altro spazio nella mia mente. A scuola io e il mio amico Christoph sognavamo di una band immaginaria; mi stavo occupando di disegnare i vestiti di questa band e… io sono diventato un pittore e lui un ingegnere che si è occupato, quarant’anni dopo, della registrazione di «Music For Paintings» di Terje Evensen. Da giovani abbiamo dovuto effettuare accurate selezioni dei dischi, perché nella Germania orientale la buona musica era difficile da trovare e parecchio costosa. Durante le mie mostre la musica dà maggior vigore e forma ai miei quadri, soprattutto quando entrambi i generi sis ono incrociati durante il processo di creazione, come accade con Terje Evensen da oltre due anni.

A proposito della tua collaborazione con il musicista norvegese Terje Evensen, come è nata?
Conosco Terje da quando Martin France mi ha chiesto di realizzare il progetto per il secondo album degli Spin Marvel, per il quale ho ritratto tutti i membri della band. Da allora abbiamo avuto lenti, ma progressivi contatti, supportati sempre da una bella sensazione. Per la mia mostra all’abbazia Di Novacella Varna in Alto Adige ho dovuto apportare alcune modifiche al mio team. Nonostante non avessi idea di come pagare tutto (non prendo mai soldi per le mie mostre), Terje era proprio quello che stavo cercando. Nella nostra prima telefonata, dopo due minuti, mi ha parlato delle sue idee e questo era esattamente ciò che volevo e che era così difficile da spiegare ad altri musicisti. Quindi, ognuno di noi sa cosa può ottenere dall’altro e  ciò è adorabile. Condividiamo i dettagli, ma non distruggiamo mai l’idea. Il nostro gusto è lo stesso e questa circostanza rende il mio lavoro migliore. Non volevo che la musica che Terje aveva composto per la mostra si perdesse, quindi è nata l’idea di «Music For Paintings». Passo dopo passo, ognuno di noi ha portato degli amici nel progetto.

A parte Terje Evensen, tu hai creato diverse copertine di dischi. Sappiamo che hai collaborato con John Paul Jones, , J.Peter Schwalm, Leo Abrahms, per esempio.
Leo Abrahams, in particolare, è uno dei miei più vecchi amici. A volte le persone mi chiedono di fare un lavoro, ma molte volte il rapport lavorativo non si materializza, perché non hanno idea di cosa vorrebbero e non sono del tutto sicuri di lasciare campo libero al sottoscritto. Leo e Terje, invece, sapevano esattamente cosa volevano. Se lavori per qualcuno e invii materiale, puoi verificare rapidamente come procede. In entrambi i casi c’è volute pochissimo prima di ricevere una telefonata di conferma. Dopo aver disegnato la copertina del secondo album di Leos, mi ha invitato a unirmi a lui in un piccolo tour in Inghilterra. Una sera, eravamo noi due in mezzo al nulla, ubriachi per metà, sulle scale di un vecchio hotel spettrale, e Leo mi chiese: «Pensi che io sia un bravo musicista?» Io risposi affermativamente e replica: «Pensi che io sia un buon pittore?» E lui: «Sì.». Ma entrambi ci siamo accorti che eravamo piuttosto incerti nelle risposte. Questo fatto ci ha immediatamente connessi. Così, ho chiesto a Leo di aiutare me e Terje per l’album e lui ha risposto affermativamente in meno di cinque minuti,  nonostante sia molto impegnato come produttore e musicista a Londra e Hollywood.

Come metti in relazione la tua arte con la musica?
Una giovane collega artista, in occasione di una mostra collettiva, mi ha detto che sente qualcosa di cinematografico nei miei quadri. L’ho trovato interessante e lei aveva ragione. La musica che scelgo per il mio processo lavorativo è una specie di colonna sonora immaginaria per trovare la sensazione che vorrei creare su tela.

Tu rifiuti qualsiasi classificazione degli stili artistici. Perché?
Spesso non sono possibili classificazioni chiare, perché potresti avere più di uno stile su una singola opera. Ogni artista dovrebbe parlare nella sua lingua personale. Tutti questi nomi, queste denominazioni sono come marchi che danno al settore la possibilità di separare i propri client, ovvero di far sì che alcuni collettivi artistici si separino. Permette alle persone di giudicare uno stile e, nel mio caso, mi ha tenuto lontano da molte opere d’arte per molto tempo, perché ero di parte. Durante gli anni di scuola, mi è stato insegnato che solo l’arte astratta è reale. Ho pensato che qualcosa non andasse in me. Oggi so che spesso c’è molto da nascondere in alcuni lavori di artisti (preferisco il pittore – l’artista è un termine troppo flessibile), quindi si nascondono dietro una classificazione per essere cool. Gli impressionisti (che adoro) hanno creato come gruppo questo nome, ma dopo alcuni anni di fama, la maggior parte di loro è tornata agli stili accademici per questioni economiche. Dada era una specie di divertimento rivoluzionario e la gente, oggi, lo prende molto sul serio.

Ed è lo stesso anche con la musica?
Assolutamente. I miei amici non ascolteranno mai il jazz volontariamente, anche se la musica che ballano ne contiene parecchio. Se guardi l’heavy metal, è diviso in centinaia di classificazioni, sottocategorie, in cui alcuni nomi riempirebbero una pagina A4. Ufficialmente i tedeschi odiano lo Schlager, ma adorano le chansons francesi, che è la stessa musica: ha solo un nome diverso. Ricordo un negozio Virgin a Londra in cui la musica era ordinata solo in ordine alfabetico. Immagina una situazione quando vedi le opere d’arte che ti spingono ad ascoltare un album invece di essere scoraggiato dall’etichetta jazz, schlager o hip hop … ecc. Ho avuto un club per dieci anni e non avrei mai pensato di poter amare l’house music. Quando vengono tracciati dei confini artificiali, questi tengono lontane le persone, anziché interessarle. Inoltre, il comportamento segue spesso le regole di classificazione. Frequentavo spesso i vecchi cinema di Lipsia per vedere concerti di jazz e la gente si aspettava tutti questi assoli di venti minuti che, però, svuotavano la sala. Questa è una delle cose importanti che ho imparato lavorando con artisti diversi di lasciare le vecchie strade, per scoprirne delle nuove.

Parlando di copertine, ce ne è un ache avresti volute disegnare?
«One of the Early» di David Sylvian.

Ti senti un jazzista, un improvvisatore?
Non so come si sentano i musicisti jazz. Sicuramente c’è molto che ammiro di loro.  Alla fine esprimiamo i nostri sentimenti e questo ci collega. Come persona Terje ed io siamo simili, per esempio. La mia improvvisazione inizia nella testa. Dal momento in cui ho iniziato a dipingere le cose sembrano essere chiare per chi osserva, ma devo mantenere lo spazio per lavorare. Non lavoro mai su più dipinti contemporaneamente, quindi ogni «bambino» ha le sue regole.

Molti gatti e molta acqua sono rappresentati nei tuoi quadri. E anche i nuotatori. C’è un legame tra questi tre elementi?
Ad essere onesti forse sì, ma non ci penso molto. Dipende dal mio umore e dalle esperienze che ho fatto durante il periodo in questione. Naturalmente, ci sono anche vecchi ricordi che vengono memorizzati e innescati. Micki il nuotatore è nostro nipote in Sardegna e rappresenta la sensazione che ho avuto dopo aver visto Le grand bleu di Luc Besson. I gatti sono la famiglia e il tuo amore a essere dipinto. C’è molto che non riesco a descrivere: ogni giorno cade un briciolo nella mia mente. E succede qualcosa.

 Qualcuno ha descritto la tua arte come realismo onirico. Sei d’accordo con questa definizione?
 Suona bene! A volte i galleristi hanno bisogno di una descrizione per la stampa. Spero di poter soddisfare queste aspettative.

Qual è il tuo processo di creazione artistica?
Ci sono dei tempi separate tra loro. All’inizio ho bisogno di essere di buon umore per raccogliere tutte le immagini nella mia testa e giocare con loro fino a quando non sento qualcosa. Spesso c’è un’idea libera, ma manca un elemento per completarla. Al termine del disegno (questa è la parte tecnica più difficile), molte cose si sono aperte, evolute. Quindi, devo cercare di creare la mia incertezza, quindi diventa tutto più divertente. Per un ritratto è più importante passare del tempo con la persona da ritrarre che fare un buon disegno. In questo caso una fotocamera è un utile amico.

A parte il fatto che tu rifiuti la definizione di qualsiasi stile artistico, comunque ti senti più vicino a un movimento artistico in particolare?
Impressionismo surreale. Pensi sia un vestito realistico?

Che musica ascolti?
Ne ascolto un sacco, ma non ho mai deciso quali fossero i miei dieci album favoriti. Non c’è una musica che mi sento di escludere a priori.

 Questo periodo di quarantena, questa pandemia, ha cambiato il tuo modo di vedere l’arte?
No, ha cambiato di più la mia visione del mondo. Sono infastidito dal fatto che le persone non siano divise nel Sistema in  rilevanti o meno rilevanti. L’arte è vitale. Ma sono in contatto con molti colleghi in tutto il mondo ed è interessante, indipendentemente dal tipo di arte che fanno, che nella nostra testa ci siano idee abbastanza simili.

Secondo te, dopo tutto ciò che sta accadendo, quale sarà il futuro delle arti e della cultura?
Speriamo che ci sia un futuro. Ho visto morire molti progetti di miei amici. Forse tutto ciò separa gli artisti dal resto delle persone; gli artisti sono sinceramente desiderosi di esprimere sentimenti e condividerli con altri esseri umani, tenendo distanti coloro che hanno solo motivi commerciali.

Quali sono i tuoi piani futuri?
Speriamo di poter recuperare la mia personale a Roma, che è stata cancellata a causa della pandemia. Noi (io, Terje, il nostro video artist Andreas Siefert) abbiamo organizzato un grande spettacolo a Berlino per il 2021 o 2022 o, forse il 2023, ma nessuno lo sa. Sicuramente Terje e io continueremo a lavorare insieme.
Alceste Ayroldi