Perfetta incarnazione dell’American Maverick, Harrison ha dimostrato, nel corso degli anni, il suo valore come persona di interessi culturali vastissimi e fuori dall’ordinario, in tutti i sensi., Dal 2011ha fondato e dirige l’Alternative Guitar Summit, comprensivo di un Festival annuale, di un programma formativo estivo – che, dal 2017, riunisce a Big Indian, nello stato di New York, in un vero e proprio forum mondiale, chitarristi da tutto il mondo della più varia fama ed estrazione (giusto per fare qualche nome: Bill Frisell, John Scofield, Kurt Rosenwinkel, Peter Bernstein, Marc Ribot, Nels Cline, Miles Okazaki, Elliott Sharp, Brandon Ross, Liberty Ellman, Rez Abbasi, Joe Morris, Marco Cappelli, Anthony Pirog e molti altri) – di masterclass e concerti nel corso dell’anno e di un’etichetta discografica indipendente (la AGS). Guggenheim Fellow nel 2010, Harrison, nella sua carriera trentennale, ha mostrato la propria natura di compositore eclettico e di chitarrista dallo stile fiammeggiante, capace di legare trasversalmente le molteplici tradizioni americane. Il suo vero e proprio apostolato in favore della chitarra si è espresso anche in due libri: Guitar Talk. Conversations with Visionary Players e Pity the Genius: A Journey through American Guitar Music in 33 Tracks. Anche in considerazione della recente pubblicazione dell’album «Don’t Forget Your Guitar», nel quale ha riunito in vari duetti la crème dei chitarristi newyorkesi, ce ne era abbastanza per intervistarlo, cosa che abbiamo fatto con estrema ammirazione e piacere.
Joel, confesso che, pur avendo sempre seguito i tuoi album, sono sempre di più colpito dalla tua dedizione alla musica e alla chitarra. Ti andrebbe di raccontare ai nostri lettori come è nata questa autentica passione?
Innanzitutto, grazie per il vostro interesse, che apprezzo molto, e per tutte queste domande. I miei genitori avrebbero voluto che suonassi il pianoforte. Sarebbe stato utile sotto molti aspetti, ma la chitarra elettrica era lo strumento dell’epoca in cui sono cresciuto, l’epoca del rock’n’roll e di Woodstock. Chi avrebbe mai potuto vedere Jerry Garcia, Pete Townshend o Jimi Hendrix dominare un palco e non desiderare di essere come loro? Da lì, ho imparato a suonare molti altri tipi di chitarra. Dico sempre che con la chitarra si può fare di tutto: accordi, note singole, può urlare forte in modo infernale [Harrison usa l’espressione «to scream bloody murder», nda] o sussurrare come un angelo, può essere una batteria, creare textures e suoni incredibili o suonare Bach.
Quali sono state le tue principali influenze durante la tua carriera artistica?
Oh, ce ne sono state tantissime! Cercherò di elencarle in ordine cronologico: i Beatles, The Temptations, Jimi Hendrix, Danny Gatton, The Grateful Dead, The Allman Brothers Band, Wes Montgomery, Pat Metheny, Bill Frisell, Art Ensemble Of Chicago, Joan Tower, Stravinsky, Charles Ives, Miles Davis, John Coltrane, le percussioni dell’Africa occidentale, il Raga indiano, Dylan, Merle Haggard, Stevie Wonder, «anonimo», Paul Bley, Stevie Ray Vaughan, Paul Simon, la musica corale rinascimentale, Willie Nelson, Paul Motian, Terry Riley, Ligeti.
Secondo te, quanto è importante la mentorship? Inoltre, credi che il riferimento a un maestro debba essere reale, come un rapporto di studio tra insegnante e discepolo, oppure possa essere anche un fatto ideale? Hai affrontato questi aspetti durante gli anni della tua formazione iniziale?
Penso che sia incredibilmente importante. Spesso i nostri mentori non si trovano nella scuola che frequenti. Li trovi – e per questo ne sei attratto – nel tuo stesso desiderio di conoscenza. I miei migliori insegnanti non erano i miei professori universitari. Di solito c’è qualcuno che ti mostra la strada in un momento cruciale della tua vita. Ti conoscono in un modo che forse neanche tu stesso conosci. Ho avuto anche molti insegnanti piuttosto mediocri. Ci è voluto molto per liberarmi dalla loro influenza. In generale, il livello dell’insegnamento musicale oggi è molto più alto, in tutti i campi, rispetto a quando ero giovane.
Vorresti anche raccontarci, più nello specifico, come è nata l’idea dell’Alternative Guitar Summit? Come hai potuto concretizzare questo evento e come si è sviluppato dal 2010?
Qualcuno mi chiese di organizzare un festival di chitarra di tre giorni al Cornelia Street Café, nel West Village, che ora non esiste più. Piacque a tutti e mi sono divertito così tanto che non riuscivo a smettere. È quasi incredibile ripensare ad alcuni dei concerti che ho presentato, con alcuni dei più grandi chitarristi della nostra generazione, in situazioni che altrimenti non avrebbero mai potuto esserci.
Credo che sia importante ricordare che non si finisce per fare queste cose perché qualcuno ti dà soldi, ti sostiene o ti incoraggia. Lo si fa per un desiderio genuino, che va contro ogni logica. È una sorta di apprezzamento cieco, forse una malattia, per lo strumento e per la comunità. Alla fine, si tratta di questo: costruire una comunità, qualcosa di cui c’è un disperato bisogno nel mondo frammentato in cui viviamo. Lungo il percorso si impara che fare qualcosa per gli altri ti dà più di quanto avresti mai immaginato. Dai concerti è nato anche il Camp, che è stata una delle creazioni più importanti della mia carriera. Con questo programma di formazione estivo abbiamo cambiato la vita di molte persone. Ci sono insegnanti straordinari proprio lì davanti a te, i tuoi eroi. Certo, nessuno ha imparato più di me. Poter sedere accanto a John Scofield o a Kurt Rosenwinkel, bere una birra con loro o fargli delle domande è semplicemente incredibile. Ti rendi conto ancora più chiaramente di quanto siano profonde le loro conoscenze, la loro dedizione e le loro capacità. È un’esperienza che ti rende profondamente umile. Ti umanizza. Ti incute timore reverenziale. Ed è anche semplicemente divertente.
I tuoi lavori più recenti si basano spesso su una dimensione bidirezionale: duetti di chitarra, interviste. Credi particolarmente in questo aspetto del «dialogo» tra musicisti?
Il dialogo tra le persone è l’essenza stessa dell’essere umano. La sua mancanza ci ha condotti alla situazione catastrofica in cui ci troviamo oggi, in diverse parti del mondo. Che lo si faccia con uno strumento, con le parole o con il silenzio, è fondamentale, per la pace e la comprensione. Amo l’intimità che si crea quando si parla a due. Con le persone giuste si può davvero raggiungere una profondità incredibile in brevissimo tempo. E mi piace molto approfondire la conoscenza di qualcuno, ma anche il suo spirito e il suo cuore. Le persone sono straordinarie. Infinitamente affascinanti. E se si riesce a farle parlare delle loro passioni, si impara molto sulla coscienza, sul processo e su ciò che è veramente importante per loro e, si spera, per tutti noi. Una bella conversazione è come un grande banchetto. Le chiacchiere superficiali sono come uno spuntino a base di cracker raffermi.
Si può affermare senza dubbio che sei una persona molto impegnata. Come riesci a conciliare tutto questo con la tua carriera artistica? O si tratta di una serie di attività che svolgi guardando a un unico obiettivo?
Immagino di essere irrimediabilmente un fan. Una persona infinitamente curiosa. Lavoro velocemente e… non ho hobby, né figli. La sete di comprensione e conoscenza mi accompagna costantemente. Ma devo dire che, rispetto ad altre persone, non credo poi di essere così impegnato. Rispetto a una madre con due lavori, che cresce tre figli senza assicurazione sanitaria io non sono una persona impegnata. Assolutamente no.
Se guardiamo un po’ più indietro, alla tua esperienza di musicista e compositore, ci sono molte opere per ensemble più ampi. Come si conciliano questi due aspetti? La dimensione del «dialogo», di cui mi parlavi sopra, e quella della «collettività»?
Be’, nessuno ha mai chiesto a Stravinsky perché scrivesse sia per formazioni più piccole sia per orchestra. Se sei un compositore, sei affascinato dal grande, dal piccolo e da tutto ciò che sta nel mezzo. Mi sono sempre considerato prima di tutto un compositore e poi un chitarrista. In realtà, potrei dire che la maggior parte delle persone non sa molto di tutte le diverse cose che ho composto. Ho composto per orchestra, big band, quartetto d’archi, cori, quartetti di percussioni classiche, cantautori, violoncello, chitarra classica, fagotto e molto altro.
Quali sono le tue principali fonti di ispirazione?
In qualche modo, questa domanda sembra poter e dover ottenere una risposta fatta di tre parole o di mille! Dato che nessuno vuole leggere mille parole, cercherò di essere conciso. Eccoti alcune risposte: Tutto; la coscienza umana; il desiderio di evocare gli spiriti; il desiderio di emozionare le persone; il desiderio di esplorare un’attività intellettuale; il desiderio di divertirsi; il senso di perdita, la morte; le cose terribili fatte dall’umanità.
Un altro tema che emerge spontaneamente osservando il tuo lavoro è quello del superamento dei generi. I tuoi interessi artistici sono sempre stati così trasversali? Credi che la coesistenza simultanea di diversi temi e idee possa rappresentare una caratteristica tipica della cultura americana?
Sono nato senza generi musicali. Sono un ragazzo bianco cresciuto in America e questo significa che ho avuto il privilegio di visitare innumerevoli culture del mondo nel mio stesso Paese, ogni giorno. Ho potuto scegliere la mia identità, in una certa misura, non mi è stata imposta, il che è stato una benedizione e una maledizione allo stesso tempo. Sono una spugna. Non sono limitato dall’identità. Molti dei miei artisti preferiti hanno avuto lo stesso approccio. Se guardate Danny Gatton suonare la chitarra, state guardando qualcuno che incorpora quattro «generi» diversi contemporaneamente, in un singolo assolo. Ma ho sempre trovato l’idea dei «generi musicali» piuttosto stupida. È qualcosa che viene usato solo per vendere musica, i musicisti non ragionano così. Se lo fanno, probabilmente sono piuttosto noiosi. Non sono attratto dalla musica che esprime regole e limitazioni. Ecco perché il jazz è stato fantastico per me, perché è una grande porta aperta. Il jazz è la definizione stessa di una musica che NON è un genere. Piuttosto, è un invito. Poteva accadere soltanto in America.
Qual è la sfida per un compositore oggi? Riscoprire le tradizioni? Oppure cercare di costruire qualcosa di nuovo, mettendole insieme?
Una delle nostre maggiori sfide è proprio la condizione di incertezza determinata dalle influenze. Oggi ognuno di noi è cresciuto ascoltando di tutto. Questo può portare a una certa uniformità. Sembra impossibile immaginare un Charles Ives emergere oggi, qualcuno così completamente in anticipo sui tempi e così distante da ciò che lo circondava. Bisogna ribellarsi, evolversi e creare qualcosa di nuovo. Ma anche rianimare le tradizioni più antiche. Non esiste un’unica risposta, ognuno farà a modo suo e la cosa più importante è essere se stessi. Ci vuole coraggio. Bisogna addentrarsi il più possibile nella propria fonte creativa, quella luce al centro delle cose che solo noi vediamo e conosciamo. Se si osservano gli artisti più di successo, si noterà sempre qualcuno che si è ostinatamente opposto a ciò che era accettato e ha insistito nel fare le cose a modo suo. E ha perseverato per anni o decenni.
E poi ci sono anche i tuoi libri… Cosa puoi dirci al riguardo?
Ho sempre amato scrivere. Se non fossi diventato un musicista, sarei diventato uno scrittore. Così, più tardi nella vita, ho deciso di assecondare questa passione e, naturalmente, ho deciso di scrivere di musica. Ma, che ci crediate o no, ho scritto una ventina di racconti, di narrativa. E ho anche un sacco di saggi che giacciono sulla mia scrivania. Scrivo abbastanza velocemente, quindi non mi ci vuole tanto tempo quanto potreste pensare. In un certo senso, invidio gli scrittori. Possono essere ovunque e fare quello che fanno. Non devono preoccuparsi di organizzare prove o di trascinarsi dietro l’attrezzatura per i concerti. D’altra parte, sospetto che possa diventare una faccenda un po’ solitaria. Non riesco a immaginare la vita senza la gioia di sedermi in mezzo a un scatenato gruppo funk, sudando come un matto in piena estate su un piccolo palco.
Quali sono i tuoi prossimi impegni e progetti?
Intanto, continuare a sviluppare i campi estivi di chitarra al Music Masters Collective. Poi, continuare a mettermi alla prova con nuove sfide compositive. In particolare, sto scrivendo brani per quattro chitarre, un progetto che chiamo il mio «coro di chitarre». Sto anche scrivendo un lungo pezzo per un coro vocale e una big band jazz. Voglio scrivere più musica da camera. Quindi, se siete musicisti da camera in cerca di nuova musica, contattatemi! Inoltre, ho contribuito all’organizzazione di un nuovo festival di chitarra chiamato Brooklyn Guitar Festival, che si è tenuto il 12 e il 13 giugno [e recensito in questo numero, nda]. Sto anche organizzando un festival jazz a Prospect Park l’8 agosto. È un programma incredibile. Quindi sembra che sarò sempre in qualche modo coinvolto nella produzione di eventi unici nel loro genere. Un paio di anni fa, come sai, ho fondato pure un’etichetta discografica, chiamata AGS Recordings. Sto scoprendo giovani artisti di talento, chitarristi che stanno aprendo la strada al futuro. Il prossimo disco sarà un duo di due europei, Teis Semey ed Ella Zirina. Infine, continuo a pubblicare i miei dischi. Probabilmente più di quanto dovrei! Il prossimo è una registrazione dal vivo di un concerto al Big Ears Festival di Knoxville, dove abbiamo suonato «In a Silent Way». È abbastanza folle.
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