Nel 2027 festeggerà sessant’anni di attività la band fondata da Edgar Froese e che, nel corso del tempo, ha subito tante trasformazioni sia nei componenti che nel modo di intendere la musica elettronica: dal krautrock alla musica cosmica, dalla avanguardia minimalista alla new age, alla musica per film. Etichette a parte, la musica dei Tangerine Dream, tra successi e declini, è sempre stata alla ribalta, grazie anche al fatto che spesso è utilizzate nelle colonne sonore di film e serie televisive. Quest’anno il tour della band tedesca, dedicato al quarantennale dell’album «Phaedra», ha toccato anche la città di Milano per la rassegna Worm Up! che si è tenuta al teatro Dal Verme di Milano. L’attuale leader Thorsten Quaeschning ci racconta del passato, del presente e del futuro della celebre band.
Negli ultimi due anni avete pubblicato due colonne sonore e Raum. Non voglio parlare delle colonne sonore, ma di quest’ultimo disco. Qual è il tema principale di questo disco?
«Raum» è stato prodotto tra il 2019 e il 2022. Abbiamo iniziato con delle sessioni e abbiamo condiviso concetti e idee. Il nostro approccio è stato quello di combinare le nostre esperienze di session live, che sono composizioni in tempo reale che seguono regole fisse, con il lusso di un ambiente di studio. Questo includeva un’atmosfera di lavoro molto controllata, l’opportunità di riascoltare le parti e il tempo per approfondire l’editing, il mixaggio e il sound design. Il COVID-19 ha cambiato molte cose e possibilità. Siamo stati costretti a trascorrere mesi nello stesso spazio di lavoro/studio, separati dagli altri. «Raum» si traduce in stanza o spazio, e trasmette anche l’idea di lasciare spazio agli altri. Il nostro obiettivo era quello di cristallizzare la nostra voce e il nostro stile, creando musica elettronica guidata da sequencer che riconoscesse l’eredità dei Tangerine Dream senza diventare un museo musicale, producendo un album di musica elettronica contemporanea.
Come è nata la lunga composizione In 256 Zeichen?
Ci piace la musica di lunga durata perché offre un lasso di tempo più ampio per creare atmosfere e melodie e accordi in evoluzione, raccontando una storia da diverse prospettive, compresa l’opportunità di colpi di scena musicali.
La formazione degli anni Settanta e quella degli anni Ottanta dei Tangerine Dream avevano approcci molto diversi all’improvvisazione, durante gli Ottanta il lavoro veniva svolto con i nastri di accompagnamento. Negli anni Novanta la vostra musica è cambiata radicalmente. Ora sembra che siate tornati al passato. Mi sbaglio?
Ogni fase è stata influenzata dai partecipanti, dallo Zeitgeist, dagli strumenti e dalla tecnologia disponibili. Gli inizi molto sperimentali, che non sembravano sperimentali a chi ne faceva parte, hanno portato agli anni Settanta a essere più liberi. Negli anni Ottanta, i sequencer potevano riprodurre in loop sequenze di accordi più lunghe e i suoni digitali erano freschi, anche se oggi suonano talvolta più datati. A partire dagli anni 2000, abbiamo cercato di tornare al nucleo dei Tangerine Dream e del nostro microcosmo: una musica elettronica in parte slegata dalle tendenze, ma dal suono contemporaneo. Quindi direi: grazie mille per aver notato questo nostro ritorno al passato!
Come procedete nella fase di composizione?
Può iniziare con una sequenza di accordi, un suono, un rumore o qualcosa che abbiamo esplorato o sperimentato, e meno spesso con una singola melodia. Dal mio punto di vista, spero che non suoni troppo esoterico – perché non è il mio mondo -, il brano o il pezzo di musica richiede cambiamenti da solo, desiderando melodie e accordi. È importante servire la musica piuttosto che forzarla in qualcosa di intenzionale al 100%.
Katja Ruge
Inizialmente, quali sono state le tue influenze artistiche?
Tutto ciò che ho visto, i luoghi che ho visitato, i momenti, le vacanze, le persone, le gite in bicicletta, i dipinti o anche lo stare a guardare l’oceano per ore potevano innescare una nuova idea, o almeno crescere nel tempo e trovare la propria strada nella produzione in modo sottile.
Qual è il tuo rapporto con l’improvvisazione?
Non mi piace l’improvvisazione quando si limita a ripetere scale imparate o a usare la memoria muscolare. Suonare lunghi assoli o fare noodling è spesso fuori luogo e molto noioso. La composizione in tempo reale, seguendo le regole e cercando di ascoltare da una prospettiva diversa, è molto meglio, almeno nel mio microcosmo.
Negli anni Settanta la vostra musica veniva definita sperimentale. Nel Terzo Millennio molti la chiamano ancora così. In pratica, dopo cinquant’anni non è cambiato molto nella percezione della vostra musica. Cosa ne pensi di tutto questo?
La musica sperimentale, al suo meglio, non si sente intenzionalmente sperimentale, ma naturalmente tale per i suoi creatori. Oggi tutto è più connesso. Quindi un sottogenere musicale non è più piccolo se puoi raggiungere persone in tutto il mondo. Molti prodotti della cosiddetta musica popolare, con balli coreografici e testi e melodie generici, mi sembrano molto strani e distanti. Ma qualunque cosa galleggi sulla vostra barca o funzioni per voi è buona. La musica viene spesso giudicata in base ai gusti personali, influenzati da momenti, socializzazione, amici e altro.
Credo che si tratti di identificare il concetto di sperimentazione. Per te, cos’è e quali sono le aree di sperimentazione?
Per me si tratta del desiderio di trovare un nuovo suono o una sequenza di accordi raramente utilizzata. Non si tratta di voler scrivere nuova musica, ma del bisogno di creare cose nuove. È difficile dare un nome alle cose o giudicarle da soli. A volte è meglio lasciar fare agli altri e concentrarsi sulla composizione e sull’esecuzione della musica che mi piace. Stabilire dei limiti a ciò che è permesso in un processo creativo va oltre la mia immaginazione.
Alcuni musicisti-critici musicali-storici della musica affermano che chi usa l’elettronica non fa musica. Cosa ne pensi di questa affermazione?
Usano il computer per scrivere questi critici o li scrivono a mano su carta? Spesso si tratta di gusti personali, che probabilmente vanno al di là della mia comprensione.
Nel Terzo Millennio, qual è il pubblico dei Tangerine Dream?
È un grande miscuglio. Persone di tutte le età, compresi i fan più anziani che ci seguono da decenni e quelli più giovani che ci conoscono da GTA5, Stranger Things, Black Mirror, ecc. È un onore avere un pubblico così eterogeneo.
Che strumentazione usate oggi?
Un misto di grandi sistemi modulari, sintetizzatori analogici, sintetizzatori digitali, ibridi, sintetizzatori wavetable, campionamenti, sintesi granulare e software. L’obiettivo è sempre quello di trovare il suono più adatto alla musica, non di usare gli strumenti più vecchi, più nuovi, più costosi o più trendy. Ma è bello avere accesso a tutta questa attrezzatura per avere molti colori tra cui scegliere.
Avete mai usato la tecnica del campionamento?
Certo, il vecchio Mellotron è un campionatore a nastro. Usiamo vari campionatori come Yamaha, Akai, Emu. Waldorf Quantum e Tasty Chips GR1 per il campionamento granulare. È fantastico lavorare con il materiale audio in modi nuovi e diversi.
Quali sono i vostri prossimi obiettivi?
Abbiamo molti concerti nel 2024. Abbiamo anche iniziato a scrivere, comporre e produrre un nuovo album che potrebbe uscire nel 2025. Più tardi quest’anno comporremo e produrremo una colonna sonora per un film.
Quali sono i vostri progetti futuri?
Abbiamo ancora molto da dire e molte cose da esplorare. Creeremo nuova musica, faremo molti concerti e tour, e siamo onorati di continuare a seguire il nostro sogno.
Alceste Ayroldi
