Lei è cresciuto negli anni Settanta, quando è nata la fusion. Qual era il suo approccio alla musica fusion e quanto è cambiata nel tempo? All’epoca c’erano tutti i tipi di musica fusion… Credo che tutto dipenda da quale fosse la tua visione della fusion e da chi seguivi. Se seguivi una band come i Return to Forever, allora ti piaceva molto il virtuosismo dei musicisti e il modo in cui affrontavano parti molto complesse. Se seguivi i Weather Report era tutta un’altra cosa, perché dipendeva dalle composizioni, dai groove e dall’atmosfera creata dalle tastiere elettriche e altro. Se si guarda a gruppi come i Crusaders, si nota in loro una miscela più soul, mentre il gruppo di Pat Metheny era una combinazione di molte cose. Ma una cosa avevano tutti, la capacità di fondere insieme gli stili per creare musica coesa, con grandi melodie che attiravano il pubblico. Tutto questo non lo vedo più. Ci sono molti musicisti eccezionali, ma non portano le composizioni in ambiti che abbiano un effetto duraturo come quelle band di allora. Penso che alcuni di questi artisti e musicisti debbano tornare alle basi, cioè a creare del grande materiale, non a creare del materiale che metta in mostra il virtuosismo del musicista. Quello si ottiene quando si ha un grande materiale sul quale lavorare.
Ho letto nella sua biografia sul suo sito web questa affermazione: La ripetizione non è un concetto che ha senso nemmeno per se stesso. Quali sono, secondo lei, gli elementi fondamentali della musica?
Gli elementi fondamentali della musica per me sono molto semplici: grandi melodie, uniche con grandi ritmi che possano portare il pubblico nel tuo mondo. Un pubblico può sedersi e ascoltare un album o sentirti suonare dal vivo, ma andarsene senza ricordare cosa hai suonato e senza ricordare nulla del materiale. Questo è sempre stato il mio obiettivo. Fare in modo che la gente ricordi la tua musica. Anche questo oggi non lo vedo più.
Nella sua discografia ci sono alcuni dischi che fanno riferimento a Miles Davis. Vuole raccontarci come vi siete conosciuti?
Beh, è molto semplice. Ho conosciuto Miles Davis quando Marcus Miller mi ha coinvolto nel progetto «TuTu». Aveva l’opportunità di scrivere canzoni per un nuovo progetto e, dato che avevamo già lavorato insieme, doveva essere qualcosa di veramente diverso. Mi ha coinvolto per creare il suono dell’album con le tastiere. Eravamo ai Clinton Studios dopo che lui aveva ottenuto l’ingaggio e Miles era nella sala live a riscaldarsi, e quello è stato il mio momento di entrare e presentarmi. Inutile dire che sono grato di aver ottenuto l’ingaggio.
Quanto ha influito la collaborazione con Miles Davis sulla sua evoluzione come musicista?
Penso che sia stato il momento fondamentale della mia vita di musicista, e di tutto ciò che ne consegue. Imparare a vivere la vita da musicista e capire anche la responsabilità che avevo nel procedere. Le sue idee erano molto lungimiranti, ma aveva bisogno di persone che capissero cosa stava cercando di fare e dove stava cercando di arrivare. Bill Evans, Teo Macero, Gil Evans erano tutti lì prima di noi. In quel momento, sono molto felice di poter dire che siamo stati io e Marcus a capire come portarlo in quel posto. Frequentarlo e ascoltare la sua filosofia, sulla musica, sulla vita, sulle persone e su tutto ciò che vi è legato, mi ha aiutato a creare l’atmosfera che sono. Mi ha aiutato a trovare il mio io creativo. Per me si tratta di capire come trovare se stessi e comprendere i propri punti di forza e ciò che si apporta alla situazione, per poi farli crescere”.
Qual è la sua idea di portare il suono funky di Miles Davis nel ventunesimo secolo?
Beh, non so se il funk sia mai vecchio quando è fatto con quel feeling speciale che lo fa entrare dentro di te. Il modo per portare quel suono nel XXI secolo è creare un suono originale intorno ai groove. Trovare quelle melodie a cui la gente possa aggrapparsi e poi costruire il suono come lo sentite nel futuro: è quello che ho fatto quando ho realizzato l’album «Miles to Miles». In ogni canzone ho trovato qualcosa di speciale su cui basarmi, e queste influenze provenivano da Miles Davis. Non si trattava di una cosa sola e quel suono funky mi ha portato in luoghi internazionali per utilizzare vari tipi di artisti e vari tipi di strumenti per costruire quel suono.
A questo proposito, come è nata l’idea del suo ultimo disco, il Kind Of New Live EP? Perché ha voluto pubblicarlo anche dal vivo?
Quando ho finito l’album «Miles to Miles» volevo mettere insieme una band per suonare dal vivo, così ho messo insieme questo gruppo e sono andato in studio per incidere dal vivo su due tracce. Penso che questo porti la musica in primo piano e che l’esperienza con musicisti come questi, che possono interpretare la tua musica nel modo giusto, sia la chiave di tutto. In realtà non ricordavo di avere un master a due tracce, fino a quando non abbiamo deciso di trasferirci in Portogallo, quando ho esaminato tutti i miei vecchi nastri e CDR. Stavamo facendo le valigie e stavo scartando un sacco di roba, quando l’ho trovata, l’ho ascoltata e ho capito che non c’era modo di non farla uscire. La musica parlava davvero. Ho trovato altri dischi dal vivo di diversi concerti e ho deciso di prendere un bootleg che avevo preso alla Bowery Ballroom e di metterci una delle tracce. Ho anche altri brani di questo progetto che sono stati fatti dal vivo e che spero di rimasterizzare per vedere se sono degni di essere messi in circolazione. C’è stato un concerto davvero epico che ho registrato al Makor di New York. Devo solo vedere se può essere rimasterizzato correttamente.
Alcuni cosiddetti puristi del jazz furono molto critici nei confronti del cambio di scena di Miles Davis con Tutu. Molti di questi sostengono ancora oggi che Miles Davis abbia tradito il jazz. Qual è la sua posizione su queste affermazioni? Penso che siano ridicole. Miles Davis ha sempre parlato di cambiamento e si disse la stessa cosa quando uscì «Bitches Brew». All’epoca, «TuTu» del 1986 era il disco perfetto per la creatività di Miles. La tecnologia degli studi di registrazione e la capacità di creare diversi tipi di musica utilizzando le tecnologie stavano cambiando e io mi trovavo all’avanguardia del movimento a partire dagli anni Settanta. Solo che nel jazz non era ancora così, non c’era ancora. Quando ho sentito i dischi di Trevor Horn provenienti dal Regno Unito, come gli Art Of Noise, ho capito che era qualcosa che poteva essere integrato nel jazz. Serviva solo la situazione giusta. Marcus ha scritto la musica giusta perché funzionasse. Mettiamola così: è stato il disco più venduto di Miles Davis. È esploso in Europa e in altri luoghi. Per quanto riguarda la critica, ci sono i critici tradizionali e quelli che cercano quello che verrà, il futuro. Non si può accontentare tutti.
A proposito di collaborazioni, se guardiamo la sua lista di successi, è da capogiro! Roberta Flack, Luther Vandross, George Benson, Michael Jackson e molti altri. Credo che la collaborazione con Vandross sia stata la più significativa. Ce ne sono altri che l’hanno colpita di più? Sting, David Sanborn, Chaka Khan, Ivan Lins, Michael Brecker e molti altri. Credo che tutti gli artisti con cui ho lavorato negli ultimi decenni li abbia aiutati a crescere nel futuro. E viceversa. Con tutte le persone che hai citato c’è stata sicuramente una collaborazione, ma è un tipo diverso di collaborazione. Sento che tutti gli album che ho fatto e che ho sempre fatto nel corso degli anni sono stati tutti speciali per me. Cerco di dare un carattere speciale a tutta la musica e a tutti gli artisti con cui sono stato coinvolto. Credo che questo sia uno dei motivi per cui sono ancora qui. Spero di continuare a farlo con i nuovi artisti che forse posso aiutare ad andare avanti o con gli artisti affermati che cercano qualcosa di nuovo che non tutti possono avere. C’è troppa musica comune, banale in circolazione.
Ho notato che su Spotify i suoi brani più ascoltati sono segnalati nelle compilation di Smooth Jazz. Si sente davvero vicino a questo movimento musicale?
Sai, è una cosa che mi disturba molto, ma capisco come sia nata. Mi considero un produttore contemporaneo, un artista, un musicista compositore. Ai tempi, negli anni Settanta, Ottanta e anche Novanta, c’era una cosa chiamata jazz contemporaneo, da cui abbiamo tratto tanta grande musica. C’erano tutti i tipi di jazz contemporaneo, dalla fusion alle etichette come la CTI, che hanno avuto una grande influenza su di me. Mi piaceva molto il modo in cui quegli album venivano messi insieme. Poi, all’improvviso, alcuni esponenti della West Coast decisero che si potevano fare soldi, se la musica fosse stata un po’ scemata per la radio, in modo da ottenere un pubblico più vasto. Nacque così lo Smooth Jazz, un termine inventato per la radio. Non sono mai stato considerato. Un artista core di SJ perché la musica che facevo non aderiva alle rigide linee guida che erano la firma di questa musica. Tuttavia, a molti spettatori e a molti critici piaceva molto quello che facevo. Non ho mai avuto un grande successo radiofonico, a parte un paio di canzoni, e poi la società di produzione ha detto, in pratica, che il mio materiale non fosse trasmesso alla radio perché era troppo fuori dal formato: troppo lunghi i brani. In un certo senso mi andava bene, perché credo che tutti quegli artisti, che dovevano essere grandi musicisti, si siano venduti al formato. In un certo senso li capisco, perché musicalmente non avevano un posto dove andare. Molti di loro vi diranno che non sono scesi a compromessi, ma ovviamente lo hanno fatto per ottenere il passaggio in radio e per entrare nel circuito dei concerti. Alcuni artisti raggiungevano vendite ragguardevoli perché erano supportati da grandi etichette. Voglio dire, Kenny G ha venduto milioni di copie! Ogni etichetta voleva il suo Kenny G. Ho sempre pensato che la mia affermazione fosse sempre nei miei album e che non avrei accettato compromessi. Con il passare del tempo molti di quegli album sono diventati stantii e molti artisti hanno continuato a fare sempre gli stessi album. Ho avuto un paio di progetti, come «To Grover With Love», il mio tributo al grande Grover Washington Jr, che sono stati fondamentali, perché sono stato in grado di superare il confine tra creatività e commercialità. Per quanto non vogliano ammetterlo, quel progetto è stato suonato davanti a migliaia e migliaia di persone in tutto il mondo e ha venduto oltre 150.000 copie. La mia risposta è questa: ci sono alcuni musicisti davvero bravi che suonano Smooth Jazz, ma non credo che la musica abbia spessore o longevità. La scrittura è molto debole in molti degli album in circolazione, ma è così e se la gente ci crede, chi sono io per dire che non dovrebbe ascoltarla o sostenerla? Vorrei solo che esplorassero un po’ di più la musica.
Lei è un pianista, tastierista e uno dei primi musicisti più creativi nell’uso del sintetizzatore, fin dagli anni Settanta. Quanto è cambiato il suo modo di fare musica con l’evoluzione delle tecnologie?
Non c’è più il nastro da 2 pollici e tutto ora è nel computer. Tutto dipende da come ci si adatta alla situazione e io sento di essermi adattato molto bene al modo di creare musica nel 2023. Credo che la storia che ho avuto e la visione di tutti i diversi tipi di formati che abbiamo usato per fare musica mi abbia aiutato a capire come mantenere la musica organica, ma anche a trarre vantaggio dalla tecnologia. Ho più sintetizzatori nel mio computer di quanti ne abbia mai avuti viaggiando con 17 custodie Road ai tempi. La tecnologia è una grande cosa se la usano le persone giuste. Purtroppo ora chiunque può usarla e tutto è disponibile, quindi c’è un sacco di gente che incasina le situazioni e che dovrebbe farlo come hobbista, ma si considera un professionista. Questo è un altro discorso.
Cosa pensa dello stato del jazz oggi e del suo futuro? Sono molto confuso sullo stato del jazz oggi. Vorrei che ci fossero grandi compositori, composizioni meravigliose, melodie e canzoni che possano andare avanti nel futuro e avere un’eredità per le future generazioni. Non solo grandi brani, ma anche chi li sappia interpretare. Guardate quanti album vengono venduti e trasmessi in streaming al giorno d’oggi? Stiamo perdendo alcune delle icone e ne sono rimaste pochissime, ed erano quelle che dettavano il ritmo. Per quanto riguarda il vero jazz, chi è in grado di suonare davvero? Ci sono grandi musicisti, ma per me non hanno più un suono così personale. Una volta c’erano grandi leader che portavano i più giovani nei gruppi e insegnavano loro come diventare leader; ora sembra che tutti quelli che si laureano in musica pensino di essere i leader e vogliano cercare una scorciatoia senza dover fare seriamente la gavetta. Immagino che con il passare del tempo vedremo cosa succederà. Un altro argomento di discussione è il motivo per cui qualcuno dovrebbe voler creare musica nuova e significativa al giorno d’oggi, quando non si può essere pagati per creare quella musica ed essere seri. Un milione di stream equivale a 4.000 dollari, che non bastano a sostenerti, e poi il Jazz per ottenere una cifra simile è davvero un miracolo. Sono qui in Europa, cercando di fare del mio meglio in un posto dove credo che il pubblico apprezzi molto di più la musica. Il tempo ce lo dirà.
Presto sarà in Italia, al Blue Note di Milano. Quale sarà il repertorio e quali i componenti della band?
Il repertorio è una celebrazione dei miei cinquant’ anni di attività nel mondo della musica e un’esplorazione del mio catalogo di canzoni preferite da eseguire. Purtroppo ho molte canzoni che vorrei eseguire e che non posso fare in uno o due set, quindi spero nei prossimi anni di riuscire a distribuirle insieme alla nuova musica che introdurrò. Spero in futuro di avere diverse incarnazioni di gruppi che possano suonare la musica, come il mio Celebrating the Music of Weather Report Project. L’unica cosa che chiedo è di essere circondato da grandi musicisti che suonino bene insieme in questo tour. Avremo Reggie Washington al basso, David Gilmore alla chitarra e Patrick Dorcean alla batteria. Questo sarà un po’ diverso per me, perché per la prima volta non porterò un sassofonista. Voglio vedere come rispondo personalmente all’idea di avere un’ ottima sezione ritmica che suona dietro di me e supporta la band. Questo mi darà una maggiore libertà di esprimermi di più con le tastiere.
Qual è il suo rapporto con il pubblico e quanto si preoccupa degli aspetti di marketing?
Credo di avere un buon rapporto con il pubblico, perché sanno che mi interessa e che ci tengo a fare della buona musica da ascoltare. Sono sempre aperto ad ascoltare ciò che la gente ha da dire e mi piace sempre incontrare le persone agli spettacoli e mostrare il mio apprezzamento per il loro sostegno. È sempre stato così. Faccio del mio meglio e so che ogni persona che compra un album, ascolta una canzone in streaming o viene a uno spettacolo è importante. Al giorno d’oggi, è tutta una questione di marketing e di far sapere alla gente che sei là fuori. Devo occuparmi di questo aspetto del marketing perché ho bisogno di guadagnarmi da vivere e più la gente sa cosa sto facendo e sa che sono là fuori e, si spera, maggiore sarà la richiesta di persone che comprano i miei prodotti, leggono il mio libro e vengono a vedere lo spettacolo. Non lo darò mai per scontato.
Lei è un musicista professionista da cinque decenni, con molti successi alle spalle e altri in arrivo. Vuole fare un bilancio di questi primi cinquant’anni di musica?
L’ho fatto durante la stesura del mio libro The Extraordinary Journey of Jason Miles… A Musical Biography e sono a un terzo della stesura del mio secondo libro. Vi porto a conoscere da vicino e in prima fila come è stato lavorare con artisti così grandi e la realtà dell’effetto che ha avuto su di me. È un modo per documentare la mia storia e lasciare qualcosa in modo che la gente sappia di cosa mi occupo. È per questo che ho creato gli spettacoli per esplorare i miei 50 anni di attività, che sono un rapporto di amore-odio. Voglio però fare un bilancio dell’amore e di ciò che mi ha portato e di quanto la musica sia stata importante per me, così come delle relazioni che ho creato e avuto con essa… Fare un bilancio molte volte è difficile, soprattutto a causa di quante persone ho perso negli ultimi anni che hanno significato molto per me. Devo apprezzare quello che c’è ora e siamo le possibilità che ci sono. Spero che tu abbia ragione nel dire che ci saranno altri successi. Sarebbe la ciliegina sulla torta. Soprattutto se lo facciamo qui, perché potremmo parlare per molte altre pagine del motivo per cui abbiamo lasciato gli Stati Uniti. È per questo che ci siamo trasferiti in Portogallo… perché io e mia moglie possiamo goderci ciò che abbiamo, ciò che abbiamo realizzato e fare un bilancio. Non siamo più dei ragazzini…
Quali sono i suoi progetti futuri?
I progetti futuri sono di godermi questo meraviglioso Paese, quello in cui viviamo ora. Incontrare persone fantastiche, cosa che stiamo facendo e che ci piace. Viaggiare per l’Europa e, si spera, suonare in alcuni dei luoghi della mia lista di desideri che devo ancora visitare e in cui devo esibirmi. Nei miei archivi ho anche 45 anni di musica registrata che non è mai stata pubblicata e che lentamente, ma sicuramente, pubblicherò nei prossimi anni. Abbiamo appena pubblicato il primo disco e, naturalmente, la cosa più importante è rimanere in salute per poter realizzare il resto dei nostri obiettivi in questa vita. Poi, voglio visitare la Costiera Amalfitana! (ride, N.d.R.)
Alceste Ayroldi
