E’ una virtuosa della chitarra, alla quale associa una voce che difficilmente dimentichi. E non perché sia potente, dalle altezze incredibili: la sua voce ha un timbro che si fotografa nella memoria e viene assorbito dalle orecchie e dalle emozioni. Ha la grinta della rocker, l’acume di chi è già sul campo da tempo, a dispetto della sua giovane età, l’abilità ingegneristica jazzistica e la vivacità delle migliori esperienze di songwriting. Rosie Frater-Taylor ha stregato Gilles Peterson, ma anche il popolo di Spotify, visto i più che ragguardevoli traguardi fino ad ora conseguiti. «Featherweight» è il terzo album della ventiquattrenne musicista britannica, che sarà pubblicato a febbraio di quest’anno. Un disco che mette insieme con limpida nonchalance il soul, il cantautorato indie e il jazz e una bella vena rock-blues.
Ciao Rosie, parliamo del tuo ultimo album. In particolare, «Featherweight» rimanda alla classe di peso delle MMA, o a un film degli anni Sessanta diretto da Robert Kolodny. Ha qualcosa a che fare con entrambi?
Non in senso letterale! È un po’ più ironico perché, se mi guardi, non sono un pugile! In senso più letterale, ho voluto che l’album fosse ” forte”, che esplorasse alcune sonorità/tessiture più pop-rock e che presentasse un «tocco più pesante» dal punto di vista vocale e chitarristico in alcune canzoni. Concettualmente, l’album esamina il mio rapporto con varie emozioni, temi ed etichette: forza, amore, rabbia, genere, aggressività, femminilità e altro ancora. La parola peso piuma è autocontraddittoria. Come esseri umani sentiamo la pressione di dover “scegliere una corsia”, definirci e inserirci. Ho scoperto che questo crea grandi conflitti interni: femminile vs. maschile, rumoroso vs. silenzioso, duro vs. morbido, introverso vs. estroverso, rock vs. jazz…. Quindi, ritengo che sia un album sulla libertà artistica e che sia radicato in essa. Voglio sentirmi libero di essere tutte queste cose (o nessuna) contemporaneamente, a seconda della giornata! È questo che alimenta la mia creatività.
«Featherweight» è un lavoro particolarmente curato nei suoni, negli arrangiamenti e nelle strutture armoniche. Come hai affrontato la composizione? Hai ideato tutti i brani nello stesso periodo di tempo?
Di solito, per le mie canzoni inizio dalla chitarra, dove posso accedere a riff e accordi orecchiabili per poi ispirare una melodia e un testo. Passo molto tempo a stratificare i miei demo con molte idee diverse. Direi che fino a questo punto è tutto abbastanza veloce e cerco di seguire il mio naso il più possibile. «Featherweight» ha preso una vita completamente nuova in termini di produzione… Mi sono resa conto, attraverso tentativi ed errori, che volevo portare alcune canzoni in un luogo audace dal punto di vista della produzione e quindi creare quelle atmosfere ricche, quei mondi sonori e quegli arrangiamenti ha richiesto un sacco di perfezionamenti, rifacimenti e affinamenti, soprattutto per brani come Give & Take.
Falling Fast è molto soul, fusion. Poi, nel bridge troviamo tracce di rock-folk, che ricordano Joni Mitchell, mentre la tua chitarra è sempre lì pronta a ricordarti la sua naturale “aggressività” positiva. Quali sono le regole che ti sei data quando hai composto questa canzone?
L’ho scritta con un grande amico e incredibile batterista, Myele Manzanza. È stata una collaborazione molto fluida, credo perché ci piacciamo e ci rispettiamo molto. Molte delle idee ritmiche erano di Myele e il mio ruolo (in fondo alla mente) credo sia stato quello di assicurarmi che quelle idee ritmiche eccitanti e complesse mantenessero il loro cuore e rimanessero comprensibili per l’ascoltatore.
In questo disco ci sono diversi brani che potrebbero essere dei singoli di successo. Tuttavia, su Spotify possiamo già ascoltare in anteprima tre brani: Heartbeat, Give & Take e Hold the Weight. Li hai scelti come singoli? C’è una ragione particolare per cui li hai scelti?
I singoli sono una cosa strana per me, perché sono un amante degli album. Ho l’impressione che alcune canzoni di alcuni artisti non abbiano senso finché non vengono ascoltate nel contesto di un album; dopotutto si tratta di un insieme di lavori! Il nuovo disco di Meshell Ndegeocello, «The Omnichord Real Book», è esattamente questo per me: se volete un’esperienza completamente intensa, dovete ascoltarlo dall’inizio alla fine (nel modo migliore). Quindi, se fosse per me, probabilmente pubblicherei tutto in una volta ma, ahimè, la «presa in giro» fa parte del processo di pubblicazione di un album per tutti al giorno d’oggi. Per quanto riguarda i singoli, ho scelto le canzoni che ritenevo riassumere al meglio le idee e il suono del disco. L’unica eccezione è Give & Take, che ritenevo fosse una dichiarazione da fare per questo nuovo album e quindi doveva essere un singolo per me. Sono molto orgoglioso di questo brano!
Ad esempio, secondo me No Scrubs e Twenties sarebbero stati ottimi singoli. Mentre Stop Running è la canzone che, secondo me, ti rappresenta meglio con la grinta rock della chitarra che accompagna la tua voce, con pochi altri strumenti alle spalle. Rosie, qual è il tuo punto di riferimento, il tuo marchio?
È come scegliere tra un figlio e l’altro, mi piace pensare di aver messo lo stesso impegno in ogni momento di ogni brano di «Featherweight»… Non credo che un brano dica più di un altro, sono solo idee diverse, ricerche creative e mondi all’interno del mondo che sto cercando di ritagliare!
Parlando di romanticismo, ti senti una cantautrice romantica? Di quali temi preferisce parlare nelle sue canzoni?
Non so se sia romantica, ma sono una scrittrice molto emotiva. Cerco accordi, testi e idee che mi toccano il cuore in modo positivo o talvolta doloroso. Credo che in «Featherweight» ci siano molti temi romantici, proprio a causa delle esperienze di vita che circondano il disco, ma direi che è più sensibile o emotivo che romantico.
Ci parleresti dei tuoi musicisti in questo album?
Con piacere. La mia band dal vivo è formata da Tom Potter (batteria) e Dave Edwards (basso), che è molto presente nel nuovo album, così come Rob Mullarkey (basso), la cui ex band Brotherly è una delle mie preferite di sempre. Il disco è stato registrato interamente in trio, che è diventata la mia formazione preferita con cui suonare. Ho lavorato con diversi produttori: Tommaso Colliva, Lewis Moody, Chris Hyson e Shuta Shinoda, che hanno contribuito molto all’ingegnerizzazione e al suono del disco, e anche con il mix engineer Alex Kilpartrick : sono molto grata di aver potuto lavorare con tutti questi pazzi!
Un’altra circostanza che mi ha colpito del tuo disco è che è in contrasto con la musica che si ascolta da tempo. In particolare, per quanto riguarda la lunghezza dei brani. I tuoi sono tutti più lunghi di quattro minuti, mentre oggi si scrivono brani sotto i tre minuti. Hai prestato attenzione a questo aspetto? Come giudichi questo fenomeno di riduzione della lunghezza delle canzoni?
È una domanda fantastica! Beh, io vengo da un background jazzistico in cui la lunghezza delle canzoni non è mai stata un problema. Mi sento anche attratta, in termini di influenze personali, dai cantautori che erano grandi più di 25 anni fa e che generalmente producevano album completi con brani più lunghi: PJ Harvey, Kate Bush, Joni Mitchell, Rickie Lee Jones, Meshell Ndegeocello, Jeff Buckley, Prince, Sting. Ora, credo che ci siano meno artisti che si dedicano davvero all’arte e al mestiere di scrivere canzoni, come se ogni parte della canzone dovesse essere il ritornello, al giorno d’oggi! Ci sono alcuni straordinari cantautori moderni: Willow, Madison Cunningham, Becca Stevens, Margaret Glaspy per citarne alcuni, ma non sono eminenti allo stesso modo. Quindi, per rispondere alla tua domanda, mi passa per la testa, ma il mio dovere è la canzone: ovunque questo processo mi porti creativamente viene prima di tutto.
Rosie, puoi dirci come e quando hai deciso che la musica sarebbe stata la tua professione?
Non credo di aver mai preso una decisione consapevole, è semplicemente successo. I miei genitori sono entrambi musicisti e io provengo da una famiglia di artisti che risale al mio bis, bis, bis, bisnonno che aprì il primo teatro a Londra! Quindi, sono sicura che c’è un elemento della «pulsione» a farlo che era già stato scritto. A scuola scrivevo molto e mi piaceva molto farlo, ma credo che il punto di svolta sia stato quando ho capito che per quanto mi piacesse scrivere articoli ecc. non avrei mai potuto eguagliare l’amore che ho per la musica.
La tua musica unisce diversi linguaggi musicali, anche il jazz. Qual è il tuo rapporto con il jazz?
Il jazz è stato una parte importante della mia vita per moltissimi anni. Ho persino studiato chitarra jazz alla Royal Academy of Music. Mi ha aperto l’orecchio e la mente a un livello di abilità nella scrittura, nell’esecuzione e nella composizione di canzoni che credo non abbia eguali in nessun altro genere. Ma non credo di fare musica jazz. Ho imparato la tradizione jazzistica durante l’adolescenza, ma ora è solo una struttura a cui penso di attingere per scrivere canzoni. Non mi fraintendere, mi sento molto fortunata ad aver avuto il tempo di studiarla, ma la musica che faccio non la definirei jazz.
Sei un artista del fai-da-te. Quali sono le tue tecniche di autoproduzione? Come ti sei autopromossa in passato?
Provengo da una famiglia di interpreti e artisti, quindi fin da piccola mi hanno inculcato l’idea di “empowerment dell’artista” (potenziare se stessi, fidarsi del proprio istinto e prendere in mano la situazione). Non so se ho delle tecniche specifiche, ma cerco sempre di seguire ogni singola connessione, opportunità, fan che ci contattano, chiunque sia interessato a ciò che facciamo. Queste persone sono così preziose e spesso uno scenario apparentemente innocuo può portare (inaspettatamente) a un grande scenario. Che si tratti di suonare nella band di qualcun altro, di esibirsi a un evento o di rispondere a un DM di Instagram. Si tratta di persone conosciute ma allo stesso tempo, basta con la disperazione!
Ora, però, hai altri che ti aiutano. Giusto?
Ho sempre avuto persone che mi aiutavano! Ora ho un’etichetta, ma in pratica la maggior parte del lavoro è svolta da me e dal mio manager.
Che chitarre usi?
Sono una ragazza Gibson, prevalentemente. Poi, ho le Les Paul, con qualche Fender Telecaster e qualche chitarra in stile nylon/classico.
Quali sono i tuoi obiettivi come artista?
Spero che la mia musica possa contribuire a un’eliminazione di massa dei generi! Credo che ci separino dalla nostra arte e che non servano agli artisti. Se pensassi di essere riuscito a ispirare le persone a fare la musica più vera per loro, generi e TikTok a parte, sarebbe fantastico. Tra i miei obiettivi nel Regno Unito ci sono il tutto esaurito nel mio locale preferito di sempre a Londra, la Union Chapel, e forse una nomination al Mercury Prize… Ma, in generale, voglio essere felice, in salute, curiosa, interessata e fare musica che amo per il resto della mia vita.
Alceste Ayroldi
