Ciao Daniel, benvenuto a Musica Jazz. Vuoi parlarci della genesi del tuo primo disco «Emotions»?
Prima di tutto grazie mille per avermi ospitato! Fondamentalmente la genesi del mio album è iniziata con il desiderio di creare e suonare la mia musica, che avevo dentro di me da molto tempo. Questo desiderio si basava su molte ragioni, probabilmente la più importante è che mi permette di presentare la mia voce come batterista, compositore e arrangiatore e, allo stesso tempo, mi dà la possibilità di presentare il mio messaggio e la mia visione in modo chiaro e puro. Durante i miei studi ho composto e arrangiato molto e a un certo punto mi sono sentito pronto a suonare la mia musica dal vivo. Durante i primi concerti ho potuto osservare alcune cose, ad esempio quale orchestrazione è davvero necessaria per la mia musica. Dopo qualche tempo ho sentito che il gruppo e la musica erano come li avevo immaginati e ho deciso di registrare il mio primo album «Emotions».
È un disco che contiene solo brani originali dell’autore. Non ci sono standard o cover. È una tua scelta quella di non suonare standard o è solo una coincidenza?
Con il mio primo album volevo davvero presentare me stesso e la mia visione della musica nel modo più puro e onesto possibile. Personalmente ho ritenuto di poterlo fare al meglio con le mie composizioni e i miei arrangiamenti. Non è stata una scelta particolare contro gli standard del jazz; piuttosto uno standard del jazz non si sarebbe adattato a ciò che volevo presentare. Inoltre, credo che sia importante, soprattutto per le giovani generazioni, cercare di continuare lo sviluppo della musica jazz, rispettando la tradizione jazzistica.
A questo proposito, qual è il suo rapporto con la tradizione jazzistica?
Amo la tradizione jazzistica e, oltre al mio amore per la musica in generale e per la batteria, è una delle ragioni principali per cui sono diventato un batterista jazz. Ho iniziato a suonare jazz e standard jazz all’età di 13 anni e da allora il mio rapporto con la tradizione jazzistica è diventato sempre più profondo. Inoltre, credo che sia inevitabile conoscere a fondo la tradizione jazzistica, se si vuole essere un musicista jazz professionista.
Foto di Daniele Maldarizzi
La tua è una musica orchestrale di estrazione europea. Molto forte, compatta, dove il solista c’è ma è solo una piccola parte dell’insieme orchestrale. Come è arrivato a questo tipo di scrittura musicale?
Da molto tempo amo suonare e ascoltare musica che si basa sul piano jazz trio tradizionale, accompagnato da una grande sezione di fiati. Forse ne sono attratto perché si può avere il suono di una piccola band e quello di una big band quasi allo stesso tempo, il che è davvero intrigante e mi offre molte possibilità come compositore e arrangiatore. Inoltre, un’altra ragione importante è che quando compongo, sento quasi sempre le mie composizioni suonate da questo tipo di orchestrazione. Infine, questo tipo di musica orchestrale è molto divertente per me come batterista.
Daniel, cosa raccontano «Emotions»? Qual è il messaggio che hai voluto dare?
Con il mio primo album voglio trasmettere la mia visione della musica, in cui la musica è la porta per raggiungere le proprie emozioni. Credo che le emozioni siano una delle forze più importanti nella vita umana e forse la più importante nella musica. Inoltre, spero di riuscire a portare una «luce» nella giornata dell’ascoltatore con la mia musica. Per ottenere tutto ciò, ho scelto una sezione fiati e una sezione ritmica potenti e allo stesso tempo delicate. Ho composto e arrangiato musica con modalità e temi diversi per far provare all’ascoltatore una varietà di emozioni. Tuttavia, i brani sono tutti collegati da uno spirito e da una visione comuni. Vorrei aggiungere che oggi, quando ascolto i nuovi album, a volte ho la sensazione che la musica sia composta troppo dalla testa. Se è così, potrebbe essere interessante per i musicisti ascoltarlo, ma probabilmente non raggiungerà la maggior parte degli ascoltatori.
Ci racconteresti come hai creato il gruppo Radiance?
Fondamentalmente quando ho finito tutte le mie composizioni e ho avuto la sensazione che questo potesse diventare un primo album significativo, ho capito che era il momento di costruire la mia band. Poi ho iniziato a pensare a chi avrei voluto che suonasse e a chi potesse adattarsi perfettamente alla mia musica. Durante i primi concerti ho potuto osservare alcune cose, in modo da poter apportare alcuni aggiustamenti: ad esempio ho cambiato l’orchestrazione della band un paio di volte finché non ho trovato quella giusta per la mia musica. Alla fine ho suonato con grandi musicisti provenienti da Germania, Svizzera e Polonia. Conoscevo tutti i musicisti da diversi contesti, alcuni di loro studiavano con me in Svizzera, altri li conoscevo già dai tempi della scuola e altri ancora li conoscevo dai gruppi in cui suonavamo insieme. Fortunatamente tutti i musicisti si conoscevano già da prima, quindi è stato davvero un legame e uno sviluppo naturale.
Potresti descrivere il tuo processo creativo?
È una domanda importante, perché il mio processo creativo è quasi sempre diverso. Per me il punto di partenza di una nuova composizione è fondamentale. Deve evocare qualcosa in me e deve essere sincero. Il punto di partenza può essere costituito da molte cose diverse, ad esempio un motivo melodico, un cambio di accordi, un ostinato di basso, un groove di batteria o semplicemente alcuni suoni particolari. Di solito creo le nuove idee in modi diversi, ad esempio improvvisando al pianoforte o alla batteria, camminando per strada o ispirandomi a un nuovo album. Dopo aver avuto il punto di partenza, di solito continuo a sviluppare l’idea al pianoforte e cantando insieme, a volte anche con la batteria. Per me lo sviluppo di un’idea in un’intera composizione può essere molto veloce o può richiedere più tempo. Nel caso del mio album ho composto il brano The Beast in quattro giorni e il brano That Time in un periodo di tre anni.
Sei tedesco, ma vivi in Italia. Quasi una controtendenza, visto che molti musicisti italiani vorrebbero andare a vivere all’estero. Perché ha fatto questa scelta?
All’epoca stavo terminando i miei studi in Svizzera e stavo cercando in Europa dove andare a fare il Performance Master. Fino a quel momento vivevo per lo più in città medio-piccole, quindi sapevo che per il mio sviluppo come musicista e persona era davvero importante trasferirmi in una grande città con una vivace scena jazz, come Roma. Un’altra ragione è che sono sempre stato incuriosito dalla scena jazzistica italiana con festival come Umbria Jazz o musicisti come Max Ionata, Enrico Pieranunzi, Roberto Gatto o Dario Deidda. Un’altra ragione era che volevo sperimentare a fondo una cultura diversa, perché credo che mi influenzerà in modo positivo come persona e musicista. L’ultima ragione era che il Saint Louis College of Music sembrava essere un’ottima opzione per il Master in batteria jazz. In sostanza, Roma aveva tutto ciò che cercavo in quel momento e si è rivelata un’ottima decisione per me.
Perché hai deciso di studiare proprio al Saint Louis?
Il motivo principale è stata la selezione degli insegnanti. Per la batteria ho avuto la fortuna di studiare con Fabrizio Sferra e Claudio Mastracci e per altre materie con Rosario Giuliani, Luca Bulgarelli e Ramberto Ciammarughi.
Prima di arrivare in Italia, dove hai vissuto e dove hai studiato?
Prima dell’Italia, sono cresciuto nel Nord-Est della Germania, in una piccola città chiamata Greifswald. Dopo gli anni della scuola mi sono trasferito in Svizzera per studiare presso il prestigioso Jazz Campus di Basilea. Ho avuto la fortuna di studiare lì con batteristi come Jeff Ballard, Joey Baron e Gregory Hutchinson e di imparare da musicisti come Larry Grenadier, Mark Turner, Alex Sipiagin o Ambrose Akinmusire.
Quali sono le tue fonti di ispirazione come compositore?
Ce ne sono molte. Per quanto riguarda la musica jazz ci sono musicisti come Tigran Hamasyan, Robert Glasper, Kenny Garrett, Joshua Redman, Art Blakey and the jazz messengers, Kendrick Scott Oracle, Brian Blade & the Fellowship, Nate Smith + Kinfolk, Seamus Blake o Mike Moreno, solo per citarne alcuni. Mi piace anche ascoltare molti altri generi e trarne ispirazione, ad esempio il rock, la musica classica, la musica latina, la musica balcanica o anche la musica pop. A parte la musica, per me la vita stessa è un’enorme fonte di ispirazione, può essere una piccola cosa come sentire il canto degli uccelli o qualcosa di più profondo come una conversazione significativa. Credo che ogni esperienza che un essere umano fa nella sua vita abbia un qualche effetto su di lui e sulla sua musica.
Foto di Daniele Maldarizzi
Invece, quali sono le tue ispirazioni come batterista?
La mia ispirazione viene da batteristi tradizionali come Art Blakey, Kenny Clarke ed Elvin Jones e da batteristi moderni come Bill Stewart, Brian Blade, Nate Smith, Chris Dave, Mark Guiliana, Steve Jordan, Marcus Gilmore, Kendrick Scott. Mi ispiro anche ad altri strumenti, come i sassofonisti, i pianisti o i rapper come Kendrick Lamar. L’ultima grande ispirazione è la vita stessa.
Con un numero sempre maggiore di musicisti che creano e un numero sempre maggiore di queste creazioni che vengono pubblicate, cosa significa per lei come artista in termini di originalità? Quali sono le aree in cui attualmente vedi il maggior potenziale di originalità e quali sono alcuni degli artisti e delle comunità che trovi di ispirazione a questo proposito?
In generale penso che sia un grande sviluppo il fatto che sempre più musicisti creino nuova musica. Penso che possiamo influenzarci e ispirarci a vicenda. Credo che questo possa accelerare lo sviluppo della musica in diverse aree. Inoltre, penso che più musica bella esiste e meglio è, perché in questo modo probabilmente possiamo raggiungere più persone con musica veramente bella e, auspicabilmente, rendere la musica una parte ancora più importante della società. D’altra parte per i musicisti significa rimanere il più vicino possibile al proprio cuore e alla propria visione musicale, perché secondo me è il modo più promettente per raggiungere le persone, soprattutto considerando che sempre più persone creano nuova musica. Quindi credo che l’originalità e l’esplorazione di nuove strade stiano diventando ancora più importanti al giorno d’oggi.
Quali sono i tuoi progetti futuri?
Quest’estate finirò il mio master e poi ho intenzione di rimanere a Roma e di diventare con il tempo una parte importante della scena jazzistica italiana. Ho anche intenzione di rimanere in contatto con la scena jazzistica tedesca e svizzera, in modo da essere musicalmente a casa in questi tre Paesi. A un certo punto vorrei anche vivere a New York City per qualche mese, per sperimentare davvero la scena jazzistica del luogo. Il mio obiettivo a lungo termine è quello di suonare con il mio gruppo e con altri grandi gruppi la musica che amo e di esibirmi regolarmente in tutta Europa.
Alceste Ayroldi
