«Documentaries». Intervista ad Ariel Bart

Una delle più interessanti scoperte degli ultimi tempi è un’armonicista israeliana che, a soli ventiquattro anni, ha già due dischi alle spalle e numerose esperienze tra New York, Berlino e altre parti del mondo. È una musicista da seguire: nel frattempo ascoltiamola

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Ventiquattro anni e una passione – ancora oggi rara – per l’armonica cromatica, che fa parte del suo universo già dall’età di sette anni. La musicista e compositrice israeliana – che ha vissuto anche a New York City e  Berlino –  ha già all’attivo due album belli e completi: «In Between» (del 2021) e il recentissimo «Documentaries», dove risuonano tutte le sue appartenenze e confluisce il sound di marca statunitense pesato, tagliato e ingioiellato da quello europeo.

Ciao Ariel, sono felice di conoscerti. Ecco subito la mia prima domanda è: ho letto nella tua biografia che hai iniziato a suonare l’armonica cromatica all’età di sette anni. Cosa o chi ti ha spinto a suonare l’armonica?
Quando ero giovane (meglio, più giovane!), mia madre ascoltava molto il leggendario Stevie Wonder. La sua musica definiva davvero la mia casa all’epoca. Mia sorella maggiore si innamorò del suono dell’armonica e decise di studiare lo strumento. E lo fece. Come sorella minore, ho seguito il suo percorso senza pensarci troppo. Alla fine, la cosa è diventata seria.

Sei nata in Israele, poi sei andata negli Stati Uniti per studiare e suonare, ora vivi a Berlino. Perché hai scelto Berlino invece di New York?
Sono stata a Berlino per un po’ e ora sono tornato in Israele. Faccio spesso la spola tra l’Europa e Israele. Sono tornato da NYC a causa della pandemia e ho deciso di trasferirmi per trascorrere un po’ di tempo in Europa. Anche se amo NYC, perché si può trovare tutto ciò che si vuole in quella bellissima città, poiché sono più ispirata dalla musica, dall’arte e dalla cultura europea in generale, ho deciso che era il passo giusto per me. Al momento mi trovo in Israele, ma sono sicura che non sarà la mia ultima tappa.

«Documentaries» è il tuo secondo album. Prima di tutto, perché hai scelto questo titolo?
Ho scritto tutta la musica in un mese e tre settimane dopo eravamo già in studio a registrare. La musica di «Documentaries» cattura un momento e un’esperienza molto specifici della mia vita personale. Guardo molti documentari e per me si tratta sempre di racchiudere una storia in una scatola. Volevo che il mio pubblico lo ascoltasse come un unico progetto, dall’inizio alla fine, e non come tracce separate, e «Documentaries» sembra un titolo in grado di catturare questa idea.

L’inizio di Between Light And Shadow è così lirico, sinfonico, per certi versi epico. Come hai concepito questa canzone?
È la prima canzone che ho scritto per questo progetto e per me è il tema principale dell’album. Nella mia vita personale vivo costantemente tra momenti di luce e momenti di buio, e credo che questo valga per la maggior parte delle persone. La forte sensazione che alla fine della strada ci sia qualcosa di buono, ma anche la convinzione che le ombre siano reali e che dobbiamo rimanere nell’oscurità per vivere la vita al massimo delle sue possibilità. Avevo bisogno di coinvolgere gli ascoltatori in questo conflitto. Mi piace l’energia della band in questo brano. Non c’è tempo, tutto all’unisono. È un inizio forte, pieno di emozioni e suoni, eppure super delicato.

Teardrops è il singolo che ha anticipato questo album con anche un bellissimo video. Cosa racconta Teardrop?
Teardrop parla di una persona che ha a che fare con lotte interiori e non riesce ad esprimerle. Ma il mondo intorno a lui continua ad andare avanti e lui deve affrontare questa dissonanza. Parla anche del fatto che il nostro viaggio è inaspettato e che dobbiamo tenere duro e andare avanti.

Parlando del video, invece, quali sono state le scelte tecniche che hai fatto e chi sono gli attori del video?
Ho avuto la fortuna di collaborare con un bellissimo team in Belgio, lo Studio Alfon Meyer, che mi ha aiutato a sviluppare l’idea e alla fine ha realizzato tutto. Abbiamo scelto di enfatizzare le lotte interiori di cui parlavo, mostrando una dissonanza distintiva tra l’intensità della musica e la tempesta di pioggia, e l’uomo statico (ripreso in un’unica inquadratura). Il temporale riflette il conflitto di quell’uomo seduto che non reagisce a nulla di ciò che lo circonda. Ogni volta che guardo questo video vedo qualcosa di diverso, credo dipenda dal mio umore di quel giorno, ma riesco a vedere una storia in ognuno dei personaggi e mi commuove.

Quando componi pensi al tuo strumento?
No, per niente! Compongo sempre al pianoforte, e dato che non è il mio primo strumento ho delle limitazioni. Quando compongo per la mia band penso sempre in termini di texture e di come gli strumenti si fonderanno insieme, ma mai in modo specifico all’armonica. Ad essere onesti, l’armonica non è uno strumento molto sviluppato e le sue capacità sono piuttosto limitate. Non riuscirei a comporre nulla di buono per lo strumento pensando a questo, quindi è meglio non pensare…

Anche se hai studiato negli Stati Uniti, il tuo jazz è molto europeo. Mi sbaglio?
Sono d’accordo. Ho studiato a New York, ma i musicisti jazz europei sono sempre stati quelli che hanno catturato le mie orecchie. Lì ho trovato la mia ispirazione e oggi sto cercando di trovare il mio suono, che è una combinazione di jazz europeo, suoni israeliani e mediorientali, con il tradizionale che ho imparato a New York.

Tra le tue canzoni, mi sembra di sentire qualche ricordo della musica di Israele in The Lonely Man of Faith. È solo una mia idea?
Questa canzone si basa su un saggio scritto dal rabbino Joseph B. Soloveitchik che ho imparato al liceo in Israele. Nel saggio descrive due tipi di esseri umani: l’uomo maestoso, che si concentra sul dominio e sul successo, e l’uomo solitario della fede, più obbediente e sconfitto. Non si tratta di due persone diverse bloccate in un conflitto esterno, ma di un’unica persona coinvolta in un conflitto interno. Tutti noi ci troviamo in questo spettro, che è flessibile man mano che cresciamo e cambiamo nel corso della nostra vita.

Ci parleresti dei tuoi musicisti in questo disco?
Un gruppo di persone stimolanti. Ognuno di loro ha dato un tono speciale a questo disco. Itamar Borochov alla tromba, Mayu Shviro al violoncello, Eden Giat al pianoforte, David Michaeli al basso e Amir Bar Akiva alla batteria.

Cosa ha ispirato le canzoni del suo ultimo disco?
Questo progetto è come un viaggio personale. Ho vissuto alcune esperienze difficili nella mia vita in quel periodo e ho cercato di farne musica. Purtroppo non mi sento ancora abbastanza a mio agio per parlare di storie specifiche, ma credo che siano universali, in modo che le persone che ascoltano possano capirle e adattarle alle loro parole ed esperienze. Volevo anche provare nuovi metodi di composizione e di utilizzo del suono che non ho fatto nel mio album di debutto.

Abbiamo già detto qualcosa, vorresti parlarci della tua infanzia, dei tuoi studi e di quando ha deciso di lasciare Israele?
Ho iniziato a suonare in un’orchestra di armoniche in Israele all’età di sette anni (suonavamo principalmente arrangiamenti di musica classica e musica popolare israeliana). Al liceo (a Gerusalemme) ho studiato nel dipartimento di musica jazz e ho scoperto questo genere per la prima volta. Dopo il liceo ho frequentato la sede israeliana della New School University di New York, dove ho studiato per due anni, e il passo successivo è stato quello di trasferirmi a New York e finire il programma lì.

Quali sono i tuoi rapporti artistici con Israele?
I musicisti israeliani sono quelli con cui mi diverto di più a suonare. Quando siamo cresciuti ascoltavamo la stessa musica e abbiamo imparato dagli stessi insegnanti. Condividiamo una forte base che, a mio avviso, fa emergere il meglio di noi quando suoniamo insieme. Mi piace ascoltare la musica folk israeliana (che di solito è una combinazione di suoni e strumenti orientali e occidentali). Credo che questa ispirazione venga fuori naturalmente nelle mie composizioni.

Sei una Millennial. Qual è il tuo rapporto con le tecnologie applicate alla musica? Ho notato che non usi alcun mezzo elettronico nella tua musica.
La mia conoscenza della produzione musicale elettronica è piuttosto limitata. Uso alcuni sintetizzatori ed effetti sonori mentre compongo per altre piattaforme come il teatro e le sfilate di moda, ed è molto divertente! Anche se mi piacerebbe imparare di più sulle tecnologie nella musica, credo che a questo punto la mia musica rimarrà principalmente acustica.

Invece, con i social media come te la cavi? Pensi che siano importanti per un musicista?
Uso i social media per promuovere la mia musica e i miei concerti. Mi sembra necessario. Siamo tutti parte di questo gioco e devi essere presente se non vuoi perdere. Sento che crea stress e un senso di illusione e solitudine nella mia vita personale e professionale. Ho lavorato con molte persone a questo progetto, ma il giorno dell’uscita sono seduto da sola davanti allo schermo a cercare di ottenere un feedback, anche se la reazione è buona, non è la sensazione migliore.

Sul tuo sito web leggo che: «Ariel sta lavorando per estendere i confini dell’armonica e renderla più presente, creando musica originale e collaborazioni con diverse band in tutto il mondo». È la tua missione principale?
È sicuramente un obiettivo. Ero solita pensare che non importa quanto sarò brava a suonare lo strumento, perché gli altri musicisti preferiranno comunque lavorare con un trombettista o un sassofonista. Questo perché non conoscono l’armonica e le sue capacità. Non c’è molto repertorio per questi strumenti, quindi posso crearlo e diffonderlo.

Quali sono i tuoi progetti futuri e i tuoi obiettivi?
Continuare a scrivere musica e suonarla in tutto il mondo. E spero di scrivere per altri media come il cinema e il teatro. Vorrei collaborare il più possibile con persone di culture e generi diversi e non annoiarmi mai di quello che faccio.
Alceste Ayroldi

Foto di Gabriel Baharlia

* L’intervista è stata pubblicata sul numero di febbraio della rivista Musica Jazz