Mary Ancheta è una pianista, compositrice e produttrice canadese di origini filippine, nata a Hamilton, nella provincia dell’Ontario. Dopo aver insegnato pianoforte presso l’Ontario Conservatory of Music, ha conseguito il Bachelor of Music alla McMaster University, avviando un percorso artistico caratterizzato da una notevole versatilità stilistica. Oggi risiede a Vancouver, nella Columbia Britannica, dove si è affermata come figura di rilievo della scena jazz contemporanea canadese.
********************************************************************
«When The Light Comes To Play» sembra ruotare attorno all’idea della luce come rivelazione: quando hai capito che sarebbe diventata la metafora centrale dell’album?
Ho capito che la luce poteva essere una rivelazione dopo aver scritto il brano che dà il titolo all’album. Stavo pensando a come intitolare la canzone e c’era qualcosa nella linea di basso ripetitiva, accompagnata dal pianoforte, che creava un effetto quasi ipnotico. Ho pensato che la canzone avesse un carattere giocoso ma fosse anche trascinante. Quando suono riesco a vivere quei momenti intermedi di fugace chiarezza e penso che la musica possa crearli. Ha un potere curativo.
Hai descritto la brano che dà il titolo all’album come se esistesse in uno stato liminale tra il sonno e la veglia: quanto ti interessa esplorare musicalmente gli spazi di transizione e ambiguità?
Sono molto interessato a esplorare questi spazi di transizione e ambiguità. A volte penso che fare musica per vivere mi sembri un po’ un sogno. Può essere una vita molto surreale nel quotidiano. Credo che la vita non sia così bianca o nera: c’è molta zona grigia. Forse il nostro viaggio non riguarda la destinazione, ma ciò che facciamo nella transizione da A a B.
L’album fonde jazz contemporaneo, funk, hip hop, afrobeat e world music: come mantieni una forte identità artistica mentre ti muovi attraverso linguaggi così diversi?
In questo periodo cerco di non pensare troppo alla musica. Penso che le idee compositive si rifletteranno stilisticamente nei generi, ma cerco anche di non affrontare le cose con troppe regole. Se ci sembra giusto, possiamo mettere due idee contrapposte una accanto all’altra. Credo che tutte queste sensazioni diverse possano coesistere all’interno dello stesso set o album. Sembra un’istantanea di un periodo storico.
Quali sono le cose più importanti che hai assorbito da artisti come Weather Report, Betty Davis, McCoy Tyner e David Byrne?
Attingo dagli eccentrici assoli melodici di Joe Zawinul nei Weather Report e dall’approccio spavaldo di Betty Davis. Sono anche ispirato dalla capacità di McCoy Tyner di spingere la musica in avanti e da quella di David Byrne di muoversi tra più generi.
Rispetto a «Level Up» e «Rituals», cosa pensi di aver portato avanti con questo nuovo disco?
Con questo nuovo disco ho cercato di spingermi oltre con gli arrangiamenti, correndo più rischi. Avere il chitarrista Mike Stern come ospite d’eccezione mi ha permesso di comporre appositamente per il suo stile di esecuzione. Mi piace molto cercare di scrivere tenendo conto dei punti di forza dei musicisti per metterli in risalto. Stiamo cercando di scoprire le canzoni a un livello più profondo e il modo in cui le suoniamo insieme. Cerco quel gioco di tensioni tra il tempo, le melodie e il ritmo che possa risultare organico e fluido.
Foto di Wayne Hoecherl
Quanto è importante l’improvvisazione nelle tue composizioni?
L’improvvisazione è molto importante nelle mie composizioni perché funge da trampolino di lancio creativo per immergersi ancora più a fondo nelle canzoni. Ci permette di sviluppare un’idea insieme sul momento e di creare quel dialogo di dare e avere tra i musicisti che può avvenire sul palco in quel preciso istante. È un dialogo bidirezionale che ha il potenziale di creare un percorso diverso ogni sera.
C’è un brano dell’album che ti sembra particolarmente personale o autobiografico?
Penso che il brano Rise sia quello che mi sembra più autobiografico. Ho sempre seguito il mio ritmo, cercando di tracciare la mia strada. A volte la strada che scegliamo è quella meno battuta. Questo brano racconta la storia di come superare le sfide che cercano di tenerci a terra.
Halo Halo evoca immediatamente un immaginario culturale molto specifico: quanto le tue radici influenzano la tua musica?
Le mie radici hanno sempre influenzato la mia musica, in alcuni lavori più che in altri. Halo Halo è un dolce filippino ed è un omaggio alla mia cultura. Il cibo può evocare rapidamente un ricordo e l’halo halo è per me una delizia nostalgica. Ricordo che da bambina preparavo questo dolce con la mia famiglia a Hamilton, nell’Ontario (Canada), in una calda giornata estiva per rinfrescarci dall’umidità. I suoi sapori dolci evocano immediatamente ricordi affettuosi.
Come si articola la collaborazione con Dominic Conway, Matt Reid e Paul Clark nel plasmare il sound collettivo dei MA:Q?
Lavorare con Dominic, Matt e Paul è sempre un vero piacere. Mando una demo grezza ai ragazzi. Ci scambiamo idee nella sala prove ed esploriamo collettivamente. Esaminiamo suoni, texture, accordi, armonie, groove e sensazioni. A volte non sappiamo sempre quale sarà la tavolozza sonora fin dall’inizio, ma insieme sviluppiamo il suono dalla sala prove al live fino allo studio.
Ti interessa raggiungere un pubblico che tradizionalmente non proviene da un background jazz?
Sono decisamente interessato a raggiungere un pubblico aperto ad ascoltare qualsiasi stile. Adoro la curatela eclettica nei festival o nelle playlist. Se la musica riesce a emozionarti, penso che gli ascoltatori possano andare oltre il genere. Mi piace la fusione di stili e non voglio sottovalutare la capacità degli ascoltatori di accogliere nuova musica.
Ricordi un momento specifico in cui hai capito che la musica poteva diventare la tua vita piuttosto che una semplice passione?
Stavo suonando a Vancouver e la sensazione di essere sul palco ed eseguire la mia musica originale era così gratificante. La vita è troppo breve per non fare ciò che si ama, quindi speravo di estendere questa sensazione a più aspetti della mia vita. Era spaventoso, ma la paura era anche una motivazione per dedicarmi al 1000% al mio mestiere. Più tardi quell’anno ho lasciato l’insegnamento e sono partita per un tour a Singapore.
Il tuo approccio alla composizione è cambiato significativamente rispetto ai tuoi primi progetti?
Il mio approccio alla composizione è cambiato rispetto ai miei primi progetti. Ora non sono più così gelosa delle mie idee e sento di poter correre più rischi e fidarmi di più del mio istinto. Quando conosco i musicisti con cui suonerò, mi piace scrivere appositamente per loro per mettere in risalto i loro punti di forza. Sento anche di poter scrivere un barlume di idea e portarlo comunque alle prove per svilupparlo.
Quanto è stata importante, in generale, la collaborazione nel plasmare il tuo sound e la tua direzione artistica?
La collaborazione è stata essenziale nel plasmare il mio sound e la mia direzione artistica. Con l’avanzare dell’età ho imparato il valore del dare e avere quando lavoro con gli altri. Quando collaboro con persone che la pensano come me, trovo che il risultato finale sia di gran lunga migliore. Un elemento importante è stato rimanere fedele a ciò che provo nel momento, senza aver paura di esprimere la mia opinione, che mi piaccia o meno qualcosa. Mi piace cercare di creare un ambiente in cui ci si senta al sicuro nel provare cose nuove e nel commettere errori. Ci sono così tanti artisti stimolanti intorno a me ed è emozionante stare in loro compagnia.
Quali sono i tuoi progetti per il futuro?
I miei progetti per il futuro sono continuare a scrivere nuove canzoni per i MA:Q e dedicarmi maggiormente alla composizione di colonne sonore per il cinema e la televisione. Con la band speriamo di suonare per un pubblico più ampio, espandendoci al di fuori del Canada per esibirci in Europa e in Asia.
Alceste Ayroldi
