Quale impulso interiore o artistico ti ha portato ad allontanarti dal formato quartetto e a immaginare un ottetto per «While I Was Away»?
L’ottetto è nato da un invito ricevuto da un festival. Mi è stata data carta bianca per lavorare con un ensemble più grande. Il progetto è stato così divertente che abbiamo continuato a suonare in concerto, il programma è cambiato gradualmente e dopo dieci anni abbiamo finalmente sentito che era giunto il momento di registrare un album. La mia motivazione interiore era quella di esplorare voci, suoni e tipi di canzoni diversi da quelli con cui lavoro di solito. Ho una profonda affinità con le forme basate sulle canzoni.
Il titolo dell’album suggerisce distanza, riflessione o trasformazione: cosa significa «While I Was Away» per te personalmente e musicalmente?
While I Was Away è una citazione da una poesia di Margaret Atwood, utilizzata nella canzone You Come Back. Per me esprime uno stato di assenza di sé. Può anche descrivere una breve assenza durante la quale sono successe molte cose, lasciandoti a chiederti come sia stato possibile. Forse suggerisce anche che a volte è bene voltarsi e guardare in un’altra direzione, in modo che quando ti volti indietro, la tua prospettiva sia cambiata, il che può essere una cosa positiva.
Quali possibilità ha aperto questa strumentazione ibrida che non avevi potuto esplorare nei tuoi precedenti ensemble?
Quando ho lavorato all’ottetto, ho dedicato molto tempo a riflettere sul concetto generale. Volevo lavorare con cantanti e archi, che naturalmente apportano suoni e strutture diverse rispetto al mio quartetto, oltre a un approccio compositivo diverso. Per il repertorio, era importante includere le influenze individuali dei cantanti. Ecco perché l’album presenta composizioni e testi di Live Maria, Aline e Michael, insieme alle mie poesie e canzoni che sono state importanti per me per molto tempo, come Up, Up, Up, Up, Up, Up di Ani DiFranco.
Come hai scelto Aline Frazão, Live Maria Roggen e Michael Schiefel, e quali qualità individuali apportano alla musica?
Volevo che le voci fossero al centro, ma volevo anche introdurre prospettive, caratteri e background culturali diversi. Questo mi ha portato a Live Maria Roggen, Aline Frazão e Michael Schiefel: Scandinavia, Angola e Germania, insieme a tre personalità molto distinte.
Come ti approcci alla composizione musicale basata su poesie esistenti rispetto alla scrittura di brani strumentali?
Quando metto in musica una poesia, parto da una base già ben definita. Una poesia mi racconta una storia o evoca una sensazione; ha un ritmo e un tempo intrinseci: è una base solida. Quando scrivo un brano strumentale, parto dal nulla e devo cercare un punto di partenza. Con una poesia, il punto di partenza c’è già, ed è molto potente.
Quando lavori con personalità letterarie così forti, come riesci a bilanciare il rispetto per il testo con la libertà musicale?
È un equilibrio delicato. Da un lato, hai la responsabilità di trattare il testo con rispetto; dall’altro, hai bisogno della libertà di lavorare in modo intuitivo e di non limitarti troppo. Il più delle volte cerco di lasciar andare il rispetto quanto basta per seguire il mio intuito, rimanendo aperta a tutte le direzioni possibili.
Cosa ti ha attratto nel reinterpretare Up, Up, Up, Up, Up, Up di Ani DiFranco in questo universo sonoro così diverso?
Sono una fan di Ani DiFranco da molto tempo. Una volta ho assistito a un suo concerto solista a Berlino che mi ha profondamente colpita: ha un potere e una presenza incredibili. Adoro questa canzone in particolare per il suo groove, la sua drammaturgia, il testo e l’atmosfera generale. La totale trasparenza all’inizio e il graduale crescendo di energia grezza mi colpiscono particolarmente.
La canzone brasiliana di Zélia Fonseca aggiunge un altro livello culturale: in che modo la musica brasiliana influisce sul tuo linguaggio compositivo?
Il groove è sempre importante per me, ovunque e in ogni cosa. La musica di Rosanna & Zelia ha un groove meraviglioso. Il flusso delle voci, l’armonia sempre coinvolgente e le melodie davvero interessanti si adattano perfettamente alla mia estetica. Ho ascoltato molto Rosanna & Zelia durante i miei anni di studio.
L’album oscilla tra l’intimità da camera e l’improvvisazione densa e libera: come plasmi questi contrasti?
Per me il contrasto è essenziale. Abbiamo bisogno di consistenze e intensità diverse per rimanere coinvolti. La vita stessa è definita dal cambiamento costante. Insieme, cerchiamo di sviluppare un linguaggio musicale condiviso ed esprimere emozioni diverse in modi diversi. Modelliamo il contrasto attraverso il linguaggio musicale che tutti condividiamo.
Che ruolo gioca l’improvvisazione in un progetto che ha anche arrangiamenti dettagliati e materiale scritto?
L’improvvisazione è fondamentale per il carattere della band. Oltre alla necessaria precisione di certi arrangiamenti, è altrettanto importante aprire le cose e lasciare che le personalità individuali dei musicisti diventino udibili attraverso l’improvvisazione. Questo conferisce alle canzoni un’intensità e un’autenticità che per me sono essenziali.
Hai composto tenendo a mente le personalità e i suoni specifici dei musicisti?
All’inizio non conoscevo bene la personalità di ciascun musicista; questa comprensione si è sviluppata nel corso degli anni. Di conseguenza, alcune composizioni sono state scritte pensando specificamente a determinate personalità.
Nella tua esperienza, in che modo scrivere per gli archi è diverso dallo scrivere per gli ottoni o gli strumenti della sezione ritmica?
Il suono degli archi è molto permeabile e trasparente. Sono affascinato dal contrasto tra i suoni dell’archetto e il pizzicato, e dall’intensità ritmica che le diverse tecniche di arco possono creare.
L’album sembra molto narrativo e cinematografico: hai pensato consapevolmente in termini di narrazione?
Il senso della narrazione si è evoluto nel corso degli anni. Il filo conduttore è emerso grazie alla nostra lunga collaborazione e alle nuove canzoni che si sono gradualmente aggiunte al repertorio. Quando ho finalmente deciso di registrare un album, la coesione del progetto mi è apparsa molto chiara.
Consideri «While I Was Away» un’esplorazione isolata o l’inizio di un viaggio più lungo con ensemble più grandi?
Dove questo porterà è ancora da vedere. Per ora, non vedo l’ora di suonare nei concerti. Nelle esibizioni dal vivo, la musica continua a muoversi e a trovare la sua strada. Vedremo dove porterà. Posso facilmente immaginare di continuare, semplicemente perché è una gioia lavorare con questi meravigliosi musicisti.
Cosa hai imparato su te stessa come compositrice attraverso questo progetto?
Ho imparato che mi piace molto seguire il mio lato orientato alla canzone e che ci sono molti mondi musicali diversi che mi ispirano e che voglio esplorare.
Dopo esserti “avventurata” in questo nuovo territorio, dove pensi di andare adesso?
Sono completamente aperta e adoro pensare a nuovi progetti e idee. Al momento sto componendo musica per un ensemble classico contemporaneo, quasi l’opposto del songwriting. Allo stesso tempo sto lavorando a un nuovo programma in duo con un cantante, fortemente incentrato sulle canzoni. Cerco di non pormi nessun limite.
Alceste Ayroldi
