Vorrei partire dal tuo inizio. Come è nato il tuo rapporto con la musica e, in particolare, con il jazz?
Non sono cresciuto in una famiglia di musicisti, ma i miei genitori erano entrambi attori (Colin McCormack e Wendy Allnut, N.d.R.), quindi suppongo di aver sempre avuto un’inclinazione verso le arti dello spettacolo. Una volta raggiunta l’adolescenza, però, la musica è diventata una parte importante della mia vita. Mia madre ha incoraggiato me e mia sorella a imparare a suonare il pianoforte quando eravamo piccole. Avevamo un vecchio pianoforte verticale, ma verso i 7 anni ho perso interesse per le lezioni. Il pianoforte è rimasto lì per anni, finché un giorno, attorno ai 13 anni, ho iniziato a suonare a orecchio e a imitare le melodie della TV. Iniziai ad appassionarmi alla musica più jazz che sentivo in TV e quando chiesi a mio padre informazioni sul jazz e sul blues, lui portò a casa un vinile di Blind Lemon Jefferson e una compilation di jazz con Billie Holiday, Brubeck, Ellington, ma la prima traccia, So What di Miles Davis da «Kind Of Blue», quelle battute iniziali cambiarono la mia vita. Questo mi ha fatto appassionare all’uso del pianoforte per esplorare. Ho continuato a divorare l’intero album «Kind Of Blue» e a immergermi negli altri gruppi di Miles, in pianisti come Bill Evans e Herbie Hancock, Wynton Kelly e così via.
Sei un membro della band Kyle Eastwood. A parte questo, quali sono le altre collaborazioni che consideri più importanti?
Ho una collaborazione di lunga data con il sassofonista e compositore Jason Yarde. Quella che all’inizio era una performance unica al locale sperimentale di Londra, il Vortex, si è trasformata in qualcosa di straordinario. Il nostro legame era così forte che ha portato a oltre un decennio di collaborazioni, compresi dischi e tournée. Sfortunatamente, l’anno scorso Jason ha dovuto affrontare una battuta d’arresto a causa di un ictus, che ci ha costretto a sospendere le nostre attività. Prevediamo un suo pieno recupero, ma ha bisogno di tempo. Un’altra influenza significativa nel mio percorso è stata la guida ricevuta dall’ex-Jazz Messenger, Jean Toussaint. L’incontro con lui quando ero un giovane adolescente è stato fondamentale per la mia crescita. Le sue radici a New York e la sua formazione nella band di Art Blakey erano la cosa più vicina a un legame diretto con la fonte, essendo un ragazzo della classe media di un sobborgo del Regno Unito. Nel corso degli anni ho avuto il privilegio di suonare e registrare con Jean più volte e gli sono profondamente grato per la sua generosità e per le lezioni che ha condiviso.
Ho letto che hai anche interessi scientifici. Tanto che il tuo album «Graviton» ne parla esplicitamente. Da dove nascono questi interessi scientifici? Inoltre, vorrei sapere se influenzano il tuo modo di concepire la musica?
All’epoca ero in una fase in cui avevo appena conosciuto la mia attuale moglie, la cantante/arpista Noemi Nuti (che tra l’altro è italiana). Lei ha una comprensione straordinaria dell’universo, della teoria del Big Bang, dei buchi neri e della natura stessa della realtà. Ultimamente, ho approfondito il modo in cui studi come la teoria quantistica dei campi potrebbero intersecarsi con l’idea dell’esistenza di Dio, suggerendo che la coscienza potrebbe trascendere la nostra dimensione conosciuta. Mentre prima ero più orientato verso l’ateismo, mi sono spostato verso l’agnosticismo e mi trovo sempre più aperto all’idea della reincarnazione. Per quanto riguarda il mio approccio alla composizione musicale, ho una particolare predilezione per il rapporto aureo. Lo si vede ovunque in natura e persino nelle galassie a spirale. Non è un concetto nuovo per compositori e pittori utilizzarlo nelle loro opere; Debussy lo esplorava già più di un secolo fa, per non parlare degli antichi greci. Tuttavia, amo le proporzioni che genera. Per me la musica è un’esperienza profondamente umana e le proporzioni organiche risuonano meravigliosamente.
Secondo te, quali sono gli aspetti in cui musica e scienza coincidono o, almeno, si allineano?
Beh, a livello fondamentale, la serie armonica è ciò che usiamo per costruire l’armonia e l’accordatura. Questo si estende anche al modo in cui siamo arrivati a utilizzare il piacevole contrappunto. Si tratta di guide utili per fare musica, ma non per questo vanno tenute o rispettate rigidamente. La matematica non mi entusiasma tanto quanto la composizione in musica, trovo che possa essere fredda e indifferente, anche se a volte sorprendente. Le firme dispari sono un aspetto che ho esplorato in Graviton, ma credo di essere andato avanti da allora.
A questo proposito, cosa pensi dell’intelligenza artificiale applicata alla musica?
È certamente un mondo nuovo e coraggioso, ma non sono convinto che saremo sostituiti (ancora). Potrei ascoltare qualcosa creato dall’intelligenza artificiale una volta per sfizio, ma credo che tutte le creazioni artistiche siano interessanti per l’uomo che c’è dietro e per il tipo di viaggio che sta compiendo. Se l’IA diventa cosciente, allora il discorso cambia…
Qual è il tuo rapporto con l’elettronica?
Dal punto di vista sonoro c’è molto da esplorare, ma mi sono solo dilettato. Con il disco «Graviton», ho approfondito le tecniche di produzione del suono per creare un universo sonoro che risuonasse con la mia visione di un regno fantastico. The Calling, in particolare, attingeva agli elementi mitologici del classico viaggio dell’eroe, simile agli album progressive rock della fine degli anni Settanta e dell’inizio degli anni Ottanta. Ma più che di elettronica si trattava di tecnica di studio, io suonavo ancora il pianoforte acustico.
Parliamo di «Terra Firma». Hai composto la maggior parte delle canzoni durante il periodo della pandemia. Ci spieghi il significato del titolo dell’album?
I dischi Graviton hanno segnato una fase di esplorazione di diversi paesaggi sonori, oltre che di affinamento delle mie capacità compositive. La transizione dalla composizione per orchestra a quella per piccoli gruppi jazz si è rivelata impegnativa. Il primo disco dei Graviton presentava un’improvvisazione limitata a causa delle forme strutturate. Durante i periodi di chiusura, ho ripreso a suonare il pianoforte, soprattutto nello stile classico del trio, il nucleo della mia essenza musicale. Questo risuona con il punto di partenza del mio viaggio, che ricorda le battute iniziali di So What. «Terra Firma», il titolo dell’album, indica il ritorno alla stabilità dopo le turbolenze. Forse, dopo questo periodo tumultuoso, il pubblico desidera esperienze fondate.
Il tuo jazz è molto europeo, pieno di tensione, basato sull’interplay, con significative variazioni armoniche. Qual è il tuo rapporto con la tradizione jazzistica?
Per me è fondamentalmente radicato nel Be-Bop. Un periodo a New York che ha sottolineato l’importanza di legare anche la musica più progressista a Charlie Parker e Thelonious Monk. Il loro lavoro rimarrà probabilmente il modello senza tempo del jazz moderno. È qualcosa a cui il pubblico e i colleghi musicisti possono avvicinarsi perché è il nostro linguaggio comune, tuttavia sono interessato a far rivivere costantemente questa tradizione.
Ti ho sentito suonare a Bitonto e mi sembra che il trio sia la formazione con cui ti trovi più a tuo agio. È così?
Penso che il trio e i miei concerti da solista siano il luogo in cui posso davvero aprire la mia musica. La sfida è lì e io ne traggo beneficio. Penso che mostri ciò che posso fare al pianoforte più che in una situazione di quartetto o quintetto (anche se anche quelli sono molto divertenti!).
A proposito del trio, ci vuoi parlare dei tuoi musicisti in «Terra Firma»?
Ho avuto il piacere di collaborare con il batterista statunitense Rod Youngs fin dai primi anni Duemila, iniziando con i Nu Troop di Gary Crosby e poi lavorando a lungo con Denys Baptiste nel suo straordinario progetto Let Freedom Ring. La nostra storia risale a molto tempo fa! Più recentemente, ho avuto il piacere di conoscere il bassista Joe Downard. Egli rappresenta la nuova ondata di musicisti jazz di talento e lungimiranti. È interessante notare che risiede proprio dietro l’angolo, a Camberwell, a Londra, e mi ricorda i compagni musicisti che avevo quando vivevo a Prospect Park, a Brooklyn.
Vorresti descrivere i brani che fanno parte di «Terra Firma» e cosa ci racconta ognuno di essi?
Alcuni titoli fanno riferimento a eventi specifici degli ultimi anni. Prayer for Atonement è stato composto in risposta alla tragica uccisione di George Floyd e ai successivi disordini. Data la situazione attuale in Ucraina, questa preghiera rimane attuale.
Fake News: un problema diffuso nella nostra epoca, al di là delle appartenenze politiche, continuano ad affliggerci. Sembra che siamo tutti vulnerabili alla sua influenza, anche se credo che oggi le persone stiano diventando più scettiche nei confronti di ciò che leggono/vedono/ascoltano.
Su una nota più ottimistica è Cherry Blossom è stato scritto in primavera, quando le chiusure cominciavano a diminuire dopo quello che sembrava l’inverno più buio. Questo periodo ha segnato l’emergere di un barlume di normalità e di speranza.
Oltre ai tuoi brani, troviamo due standard che hai brillantemente rielaborato: Work di Thelonious Monk e Confirmation di Charlie Parker. Poi un altro brano classico: Fragile di Sting. C’è un motivo particolare per cui ha scelto questi brani?
I pezzi di Monk e Parker sono il mio tentativo di costruire su quella tradizione che ho menzionato prima tra le mie composizioni. Anche Dear Old Stockholm è molto diversa dalla versione di Miles Davis del 1950, ma ha ancora degli echi. Fragile è il mio desiderio di trovare un modo diretto di entrare in contatto con il pubblico utilizzando una canzone molto famosa, ma che si presta perfettamente al trio jazz. Anche in questo caso si tratta di una tradizione che risale addirittura a Charlie Parker.
Qual è il tuo rapporto con il mondo della musica, in particolare con il marketing e i social media?
Ho appena iniziato a capire come funziona. È molto difficile trovare un equilibrio tra l’essere un artista e un uomo d’affari, perché richiedono talenti molto diversi. In passato ho delegato l’aspetto commerciale con risultati alterni, ma solo ora me ne sto occupando un po’ di più. Di recente ho pensato che forse il music business (o semplicemente il business) dovrebbe essere trattato nei conservatori, perché qualsiasi tipo di carriera si intraprenda nell’industria della musica, si è destinati a essere una piccola impresa. Credo che molti musicisti, me compreso, si stiano ancora abituando ai social media. Alcuni di noi ne sono un po’ confusi, anche se ne riconoscono l’importanza. Il mio approccio è quello di condividere la mia musica per chiunque possa trarne piacere, cosa che è stata particolarmente importante durante le serrate. Tuttavia, è emerso come una forma di marketing intelligente, perché è un modo per trovare le persone a cui piace la mia musica e per rimanere in contatto con chi è interessato a futuri concerti e dischi.
In conclusione, com’è andato il tour in Italia?
È stata una gioia assoluta! È la prima volta che faccio un tour a mio nome in Italia. La gente è così calorosa e apprezza molto che tu venga a suonare per loro. È anche un pubblico piuttosto istruito, che risponde davvero alle cose belle quando si presentano, il che mi incoraggia a trovare ancora più cose belle da far suonare.
Quali sono i tuoi progetti futuri?
Voglio prendermi un po’ di tempo per scrivere e sviluppare nuova musica sia per il trio che come solista. Quest’autunno sarò in tournée nel Regno Unito con il mio trio e l’ospite speciale Denys Baptiste, che è stato il mio primo bandleader regolare a 18 anni. È una bella rimpatriata. Farò anche alcuni concerti in trio con Kyle Eastwood al basso, il che sarà divertente; abbiamo suonato al Duc des Lombards di Parigi in aprile, riscuotendo un grande successo, quindi stiamo aggiungendo alcune date nel 2024 in quella formazione.
Alceste Ayroldi
