Hai iniziato a suonare molto giovane, prima la batteria e poi il pianoforte. Cosa ricordi più chiaramente di quei primi anni?
Ricordo che suonavo molto con mio padre, io alla batteria e lui al pianoforte, dall’età di tre anni, e che alla fine sono entrato in una band quando ne avevo sei, insieme a un prodigioso chitarrista di dodici anni. Ricordo anche le lezioni con il mio insegnante di batteria, che all’epoca era uno dei più importanti educatori svedesi, e il calore e la positività che mi trasmetteva, insieme ad alcune competenze musicali e tecniche molto basilari e importanti.
L’improvvisazione sembra essere fondamentale per la tua identità musicale.
Ho sempre improvvisato, fin da quando ero bambino. C’è qualcosa in essa che a volte mi fa sentire in totale pace con me stesso e con tutto ciò che mi circonda (anche se non sempre). Penso che il mio modo di sentire la musica sia in un certo senso molto libero; quando creo veramente, sia improvvisando che componendo, non penso consapevolmente ai generi, alle convenzioni o ai preconcetti, ma lascio che sia la mia curiosità a guidarmi.
Quando inizi a improvvisare, cosa ti guida per primo: la melodia, l’armonia, il ritmo o l’atmosfera?
Penso che tutto si basi su un certo stato d’animo, ma detto questo, qualsiasi altra cosa – melodia, armonia, ritmo o qualsiasi altro componente musicale – può diventare un punto di partenza. Ma soprattutto cerco di sorprendere me stesso mentre improvviso, e quando lo faccio mi sento più vivo e dentro la musica. Spesso lascio che le mie mani inizino qualcosa e vedo se riesco a partire da lì.
Hai studiato al Royal College of Music di Stoccolma e in seguito hai insegnato pianoforte jazz sempre presso la stessa istituzione. In che modo quell’ambiente ti ha plasmato?
Il Royal College mi ha fatto conoscere alcuni grandi insegnanti, alcuni amici e colleghi molto importanti che sono rimasti tali per tutta la vita e, in una certa misura, mi ha fornito competenze e conoscenze che avrei avuto difficoltà a trovare o sviluppare da solo. Ma l’istruzione impone anche dei limiti, che bisogna riconoscere e dai quali bisogna liberarsi quando necessario.
Come è cambiato il tuo approccio allo strumento dai tempi del conservatorio?
Ho cercato molto attivamente di prendere le conoscenze acquisite durante gli studi e quasi disimpararle, cercando di ricominciare da capo e ridefinire tutto per me stesso. Ho scoperto che ogni volta che faccio un passo indietro, ricomincio dalle basi, senza complicare o semplificare le cose, ma guardandole semplicemente per quello che sono, riesco a trovare un modo per raggiungere una sorta di musica vera, dove le idee possono svilupparsi liberamente e dove non mi sento affrettato, né dagli altri né da me stesso. Questo è ovviamente uno stato che può essere facilmente compromesso dalla musica e dall’espressività degli altri, dal pubblico o, più comunemente, da me stesso e dalle voci nella mia testa che a volte riesco a sentire mentre suono.
C’è stato un momento o un mentore all’inizio che ha cambiato il tuo modo di pensare alla musica?
Sì, molti! Il mio insegnante di batteria Petur Östlund mi ha fatto riflettere sul ritmo e su come il ritmo viene suonato alla batteria in un modo molto specifico. Ma so anche che tutti i miei insegnanti di pianoforte, da mio padre ai miei insegnanti del conservatorio, sono stati molto influenti, ognuno a modo suo.
Hai fatto parte di una grande quantità di gruppi diversi: Lekverk, Soundscape Orchestra, 1st Movement e molti altri. Cosa ti piace del dirigere o co-dirigere diversi ensemble?
Mi piace trovare l’approccio giusto per ciascuno di essi. C’è sempre qualcosa di nascosto, una «voce autentica» o come vuoi chiamarla, in ognuno di essi, e la qualità di quella voce è ciò che definirà quella musica e la renderà degna di essere suonata e sviluppata. È una grande sfida, ma anche molto gratificante.
Il tuo album solista «Dreams» presenta una grande quantità di improvvisazione libera. Qual era il tuo stato d’animo quando hai iniziato a registrare?
Il mio stato d’animo non era molto organizzato; era semplicemente la seconda volta in assoluto che provavo a fare un concerto improvvisato per intero. Sentivo di voler vedere se riuscivo a portare il modo in cui suono quando suono solo per me stesso nella situazione reale del concerto. La registrazione in sé non era il mio obiettivo principale, ma qualcosa che ho fatto nel caso in cui fosse venuta bene. E così è stato!
Cosa ti dà il suonare da solista rispetto al suonare in ensemble?
Mi dà una certa libertà che non posso ottenere in nessun altro modo. Mentre la qualità di un ensemble risiede nel modo in cui i membri si sostengono a vicenda e cercano di adattarsi alle reciproche espressioni musicali, la qualità del suonare da solista sta nel fatto che non devo adattarmi, ma mi rendo conto di essere libero di muovermi dove voglio. L’unica cosa che mi frena è la mia immaginazione (o la sua mancanza). Ma questo mi richiede anche di creare una sorta di attrito tra le mie idee e ciò che suono effettivamente. Questo attrito, che a volte considero una sorta di sorpresa per me stesso, è per me essenziale per creare la musica migliore.
Quali sono i tuoi sogni?
Suonare sempre più spesso la mia musica, sia su disco che dal vivo. Sto costruendo uno studio e organizzando concerti nella mia sala prove a Stoccolma, Krematoriet, dove si è tenuto e registrato questo concerto. Poter registrare semplicemente con il Fazioli da concerto, mixarlo velocemente e poi essere pronto per la pubblicazione in stile Rudy Van Gelder, sarebbe davvero stimolante. E naturalmente un altro obiettivo è viaggiare ancora di più con la mia musica e presentarla al pubblico di tutto il mondo.
Quali emozioni o atmosfera speri di creare attraverso l’improvvisazione solista?
In realtà, uno stato onirico è più o meno ciò che ho sempre cercato e che a volte ho trovato (come in questa registrazione). A volte penso anche alla musica come a un oceano, in cui puoi galleggiare e lasciarti immergere. Ho spesso pensato che questa fosse l’analogia più adatta per descrivere l’esperienza della musica. Forse voglio evocare una sensazione di calma e curiosità sott’acqua, come fare immersioni in apnea senza bisogno di respirare.
Che ruolo ha il silenzio nella tua musica?
Ha il ruolo di complemento necessario al suono. Anche se il suono è spesso più abbondante del silenzio, non si può mai superare la suspense del silenzio. Spero di usarlo abbastanza nella mia musica.
Ci sono particolari suoni del pianoforte – timbri dei pedali, risonanza, armonici – che esplori intenzionalmente nelle tue esibizioni da solista?
Il bello di un’esibizione da solista è che tutte le sfumature del pianoforte a coda sono più facili da ascoltare. Questo ti dà un controllo più preciso su ogni singolo dettaglio, specialmente quando suoni uno strumento davvero eccezionale. Ma il rovescio della medaglia è che è facile perdere il flusso se si pensa troppo ai dettagli, così come al modo in cui la propria tecnica (o la sua mancanza) influenza notevolmente l’espressione delle diverse sfumature nella musica. Ma soprattutto, quando lascio che la mia immaginazione mi guidi e riesco ad addentrarmi in un territorio sconosciuto per quanto riguarda il suono, la texture e le idee musicali, è lì che avviene la vera magia. Ma potremmo parlare per ore del pedale e della magia degli armonici del Fazioli se aprissimo quella porta… (Facciamone un’intervista a parte!)
Guardando al futuro, quali paesaggi musicali speri di esplorare nei prossimi anni?
Voglio andare avanti in tutti i campi, sia con il mio gruppo jazz (il 1st Movement Quartet), sia con il mio interesse per la musica più elettronica e basata sulla tastiera, come con il mio duo Erratic, sia con una via di mezzo tra i due, dove la tastiera e gli elementi acustici si fondono insieme, come con il trio Lekverk, che presto pubblicherà il suo primo album dopo molti anni. Poi, naturalmente, il pianoforte solista e quella particolare libertà che trovo in esso devono continuare a svilupparsi. Sono curioso di vedere se può trasferirsi completamente in altri contesti, o se posso trovare la stessa libertà in materiale più scritto.
Quali influenze non jazzistiche hanno plasmato maggiormente il tuo sound: compositori classici, musica folk, colonne sonore, altro?
Direi che i compositori classici, o più precisamente i compositori del XX secolo, come Bela Bartók e Igor Stravinsky, mi hanno influenzato immensamente. Ma anche quelli precedenti, come Chopin, Brahms e Bach. Ho trascorso molte ore con loro al pianoforte. Ma naturalmente sono molto influenzato praticamente da tutto ciò che ho ascoltato, dal funk, come James Brown e Prince, al blues di New Orleans di Dr John o Professor Longhair, al pop d’avanguardia di Björk e Radiohead. Potrei fare una lista molto lunga, ma è tutto lì, in qualche modo, nel mio modo di suonare e di comporre.
Quando scegli i musicisti per i tuoi progetti, quali sono le qualità che apprezzi di più?
Direi che per me la cosa più importante è la sensazione immediata che si prova quando si suona insieme, spesso fin dalla prima volta. A volte ti ritrovi semplicemente in sintonia con ciò che sta suonando l’altra persona. Può essere qualcosa che riguarda il suono, il tempo, le idee, ma sempre e soprattutto l’energia della musica. È difficile individuare con precisione le qualità più importanti, ma penso che l’immaginazione, il senso del ritmo e un orecchio musicale compatibile siano tre degli ingredienti principali.
Quali sono i tuoi obiettivi per il futuro?
Suonare, registrare, andare in tour e vivere una bella vita con la mia famiglia e i miei amici! Sarebbe interessante anche fare più collaborazioni internazionali. Magari un gruppo internazionale di qualche tipo.
Alceste Ayroldi
