Buongiorno Ivan, benvenuto a Musica Jazz. Parliamo di «Penuka», l’album che hai realizzato su commissione della Global Oslo Music e che è stato finanziato dal Consiglio delle Arti Norvegese. La commissione ti ha imposto temi e regole o eri libero di comporre come preferivi?
La commissione della Global Oslo Music, sostenuta dal Consiglio Norvegese delle Arti, mi ha dato piena libertà artistica. L’unica aspettativa era quella di esplorare il dialogo musicale interculturale, che era perfettamente in linea con la mia visione. Ero libero di immergermi nelle connessioni storiche e spirituali tra le culture africana, araba e indiana attraverso il jazz.
Quali temi ti sei prefissato e quali obiettivi ti sei posto per questo album?
Con «Penuka», che in xichangana significa esporre, ho voluto portare alla luce secoli di scambi culturali tra l’Africa, il mondo arabo e l’India. Il mio obiettivo era quello di creare un arazzo sonoro che riflettesse queste influenze, offrendo al contempo un’interpretazione jazzistica contemporanea.
Quindi, volevi celebrare il legame tra le culture africana, araba e indiana. In breve, potresti dirci quali sono questi legami culturali?
Questi legami derivano dalle antiche rotte commerciali e dalle migrazioni. I mercanti arabi e indiani hanno portato strumenti musicali, scale e ritmi che sono stati assorbiti dalle tradizioni africane. Nella musica africana si possono sentire echi di gnawa, sargam indiano e canti wolof. «Penuka» è il mio modo di onorare questo patrimonio comune.
Forse, il jazz è il collegamento tra questa varie culture e questi diversi linguaggi.
Hai assolutamente ragione. Il jazz è il veicolo perfetto: prospera sull’improvvisazione e la fusione. Mi permette di fondere i ritmi tradizionali africani con le strutture modali della musica indiana e araba, creando qualcosa di radicato e allo stesso tempo esplorativo.
Ivan, d’altra parte, potremmo dire che il jazz è nato in Africa. Non credi?
Il suo DNA spirituale e ritmico è innegabilmente africano. Anche se il jazz come genere è emerso nelle Americhe, il suo cuore pulsante – la forma sincopata, il call-and-response, i poliritmi – provengono dalle tradizioni africane. Quindi sì, l’Africa è la patria ancestrale del jazz.
Ti va di parlarci dei musicisti che hanno suonato con te e di come e perché li hai scelti?
Ho collaborato con artisti provenienti da Cuba, Norvegia, Mali, India, Pakistan, Marocco, Senegal, Gambia e Zimbabwe. Ognuno ha portato il proprio linguaggio culturale: i groove gnawa, le tabla indiane, i vocalizzi wolof. Molti di loro hanno una lunga esperienza di collaborazione con artisti di altre culture.
Molti sono miei collaboratori di lunga data, come Per Mathisen (basso), Raciel Torres (batteria) e Olav Torget (chitarra/ngoni). La loro versatilità e la loro profonda empatia musicale li hanno resi ideali per questo progetto.
Yangulanu chiude il tuo album, che in gambiano dovrebbe significare dialogo. Puoi dirci qualcosa di più al riguardo?
Sì, Yangulanu evoca l’idea di dialogo, musicale e culturale. È una conversazione tra tradizioni, una dichiarazione conclusiva che invita alla riflessione. Il brano presenta percussioni senegalesi e voci wolof gambiane, che simboleggiano l’unità attraverso il ritmo.
Hai proceduto a mettere insieme ritmi e strutture armoniche appartenenti a mondi musicali diversi. Come hai agito in fase di composizione per ottenere suoni chiari e coerenti come quelli del tuo album?
Comincio con l’ascolto, un ascolto profondo. Studio i cicli ritmici del tala indiano, i sistemi modali del maqam arabo e i poliritmi africani. Poi abbozzo strutture armoniche che permettono a questi elementi di coesistere. L’improvvisazione jazzistica aiuta a collegarli, creando coerenza senza perdere autenticità.
La spiritualità è evidente nella tua musica in modo forte e chiaro. Quando componi segui dei passaggi, per così dire, rituali?
Per me la musica non è solo suono, è spirito. Quando compongo, non mi limito a sedermi e scrivere: entro in uno spazio di riverenza. La natura è il mio santuario. Che si tratti delle antiche foreste africane, dei sereni paesaggi norvegesi o delle aree boschive italiane vicino a La Spezia, ogni luogo trasmette una vibrazione che parla alla mia anima. Non vado lì solo per scrivere, ma anche per ascoltare. Le mie mattinate iniziano con una routine spirituale, una tranquilla dedizione alla mia arte: è come un esercizio di respirazione. Mi concentro, spesso in silenzio, a volte con il ritmo in sottofondo, e lascio che le melodie fluiscano attraverso di me. Il sassofono diventa un’estensione del mio corpo, della mia voce, della mia preghiera. Trovo me stesso attraverso la tradizione, attraverso gli echi dei miei antenati e attraverso i ponti culturali che la musica costruisce tra i continenti. Comporre è un rituale, è improvvisazione guidata dallo spirito. È arrangiare suoni che riflettono l’anima di un luogo, il battito di un popolo e i sussurri della storia. Non mi limito a scrivere musica, la vivo.
Qual è il tuo rapporto con l’improvvisazione?
L’improvvisazione è la mia linfa vitale. È il modo in cui esprimo la mia identità, le mie emozioni, il mio intuito. Mi permette di rispondere al presente, ai musicisti che mi circondano e al pubblico. Non è solo tecnica, è narrazione.
Quali collaborazioni hanno influenzato maggiormente il tuo modo di creare musica?
Lavorare con Omar Sosa, Hermeto Pascoal e Manou Gallo ha ampliato il mio vocabolario musicale. Collaborare con artisti norvegesi come Olga Konkova e Jørn Øien mi ha aiutato a integrare le tessiture nordiche nel mio sound. Queste relazioni mi hanno insegnato ad ascoltare profondamente e a comporre con empatia.
Qual è il tuo background culturale e quando hai iniziato a suonare?
Sono nato a Maputo, in Mozambico, durante la guerra civile. Mio padre mi ha regalato una piccola tastiera per incanalare la mia energia. Ho studiato pianoforte classico, poi strumenti a fiato e successivamente jazz all’Università di Città del Capo. Le mie radici affondano nella marrabenta, nella bossa e nella samba, nello zouk, nel fado e nei ritmi tradizionali mozambicani.
In che modo il tuo senso di identità influenza la tua creatività?
È tutto. La mia identità è stratificata: africana, mozambicana, diasporica, norvegese. Porto con me ritmi ancestrali e sensibilità moderne. La mia musica è un riflesso di questa ibridazione, un modo per onorare il mio lignaggio abbracciando il presente.
Quali sono state le tue principali sfide creative all’inizio e come sono cambiate nel tempo?
All’inizio si trattava di trovare la mia voce e costruire una rete di collaborazioni in Norvegia. Ho dovuto partecipare a jam session, imparare la lingua e guadagnarmi la fiducia. Ora la sfida è mantenere l’autenticità mentre innovo. Mi sforzo di continuare a evolvermi senza perdere le mie radici.
Grazie alla tecnologia e all’ informatica, ci sono sempre più musicisti che creano. Cosa significa questo per te come artista in termini di originalità?
La tecnologia democratizza la musica, il che è bellissimo. Ma rischia anche l’omologazione. Per me, l’originalità significa rimanere fedele alla tradizione utilizzando la tecnologia come strumento, non come stampella. Utilizzo le piattaforme digitali per condividere, non per diluire.
Quali sono i tuoi obiettivi come artista?
Costruire ponti, raccontare storie che collegano le culture. Ispirare i musicisti più giovani a esplorare il loro patrimonio culturale. E continuare a spingere il jazz verso nuovi territori senza perderne l’anima.
Quali sono i tuoi progetti per il futuro?
Sto lavorando a una nuova commissione che continua il viaggio di «Penuka». Ho in programma un tour con il mio ensemble in Europa e Africa e sto sviluppando workshop educativi sulla composizione interculturale. L’obiettivo è mantenere vivo il dialogo, sia dal punto di vista musicale che culturale.
Alceste Ayroldi
