Nei tuoi 35 anni di carriera nel mondo del jazz hai documentato più di 600 progetti discografici e fotografato oltre 220 copertine di riviste. È un lavoro straordinario. Cosa ha scatenato questa ossessione e come hai affrontato la realizzazione di questo corpus di opere?
Tutto risale al 1974. Un compagno di scuola mi offrì i biglietti per vedere Thelonious Monk con Art Blakey e i Jazz Messengers alla Carnegie Hall e quello a cui assistetti non fu solo musica, fu una rivelazione. L’intensità, la raffinatezza… Capii immediatamente di trovarmi davanti al culmine della creatività umana. Quella sera mi resi conto che dovevo scoprire di più su questa forma d’arte. Dopo il college e una carriera nello sci alpino, nel 1990 tornai a New York con mia moglie Dena, non per fotografare nel mondo della musica ma per concentrarmi specificamente sul jazz. A quel punto avevo accumulato oltre 4.000 dischi in vinile. Ero completamente ossessionato da questa musica. Avevo studiato fotografia al college, ma la vera svolta è arrivata per caso: un pittore che conoscevo e che amava il jazz mi presentò il leggendario batterista Art Taylor, che ha registrato con Miles, Coltrane, Monk, Jackie McLean, Bud Powell e molti altri. Diventammo amici, e quella presentazione è stata il mio biglietto d’ingresso nella scena jazz newyorkese. Ho iniziato a fotografare al vecchio Birdland sulla 105esima strada e Broadway e in un piccolo bar locale, l’Augie’s, lo spazio che in seguito è diventato lo Smoke. Art Taylor, o A.T. come lo chiamavano i suoi amici, è diventato la mia guida, presentandomi ad altri musicisti. Quando ho chiesto ad A.T. cosa sarebbe successo se i musicisti non avessero voluto che li fotografassi, lui mi ha detto una cosa che non dimenticherò mai: «Jimmy, allora non tirerò fuori la batteria dalla custodia! Ricorda, tu sei CON ME. Quindi potrai fotografare!». Entro sei mesi dal mio ritorno a New York, A.T. mi portò a conoscere Richard Seidel, allora direttore della Verve. All’improvviso, mi ritrovai nel backstage della Carnegie Hall a fotografare il concerto per il 50° anniversario della Verve. Grazie a Joe Lovano, conobbi Bruce Lundvall, presidente della Blue Note, e allora le porte si aprirono completamente. Iniziai a documentare il sancta sanctorum delle loro sedute di registrazione. Il momento era propizio. Il jazz stava vivendo una rinascita all’inizio degli anni Novanta. Le etichette discografiche investivano generosamente e riconoscevano la necessità di documentare quel momento. Mi fu chiesto di fotografare centinaia di sessioni di registrazione: un’occasione per immortalare leggende mature insieme a talenti emergenti, documentando sia la continuità che l’innovazione. Guardando indietro, penso che le persone abbiano risposto alla mia genuina passione per il jazz, che ha toccato la mia anima di ascoltatore. Ero ben consapevole dei grandi fotografi del XX secolo che hanno fotografato il jazz e il lavoro di Francis Wolff e soprattutto di Herman Leonard mi ha davvero ispirato. Ma non ero interessato a replicare la loro visione. Mi sono invece ispirato alle icone e agli innovatori del jazz con cui lavoravo: Andrew Hill, Ornette, Rollins, Ahmad Jamal, Shorter, Hancock, Jarrett e molti altri. Sono stati loro a ispirarmi nella ricerca di un linguaggio personale. Fin dall’inizio, ero consapevole dell’importanza di sviluppare la mia voce e la mia prospettiva come fotografo.
Hai ricoperto due ruoli diversi: quello di osservatore durante le sessioni di registrazione e quello di artista concettuale durante i servizi fotografici. In che modo queste esperienze erano diverse?
Durante le sedute ero un semplice osservatore, documentavo le interazioni tra i musicisti, i momenti tra una take e l’altra, quello spazio creativo spontaneo. Ma quando le etichette discografiche e le riviste mi commissionavano ritratti o copertine diventavo qualcosa di completamente diverso. Creavo immagini pensate per sostenere la musica che le etichette stavano pubblicando. Ciò che di rado viene compreso è che molte delle immagini che ho esposto sono state in realtà create dopo aver completato quei lavori commerciali. Quelle che espongo nelle mostre sono immagini che ho realizzato per me stesso. Rappresentano una seconda conversazione tra me e il musicista, senza preoccupazioni commerciali e molto più personale.
Cosa guidava le tue scelte artistiche in quei ritratti?
Due cose. Innanzitutto volevo ritrarre i musicisti jazz con intimità ed eroismo. Gli ascoltatori desiderano ardentemente l’intimità con gli artisti, e ciò che i musicisti jazz realizzano come artisti in una società che ha mostrato loro un sostegno minimo è davvero eroico. Essere un musicista jazz è incredibilmente impegnativo, ma farlo a New York aggiunge un ulteriore livello di difficoltà. Fin dall’inizio mi sono sempre chiesto: «Cosa vorrei vedere in una fotografia di questo musicista tra qualche anno?». È questa la domanda che ha sempre guidato il mio lavoro quando ho realizzato immagini per me stesso.
Ero anche intransigente sulla qualità tecnica. In un’epoca in cui molti fotografi lavoravano con macchine fotografiche 35 mm, io portavo attrezzature di grande e medio formato nei club, negli studi, nelle case e per le strade, situazioni in cui quell’attrezzatura sembrava poco pratica. Ma volevo i dettagli che questa attrezzatura mi dava, in modo che gli spettatori si sentissero coinvolti nel momento con il musicista, per percepire l’elettricità della creazione o sentire il peso di una particolare emozione. New York stessa è diventata un personaggio cruciale nel mio lavoro. La città è inesorabilmente vitale e in continua trasformazione. Ho fatto mia l’abitudine di integrare il paesaggio urbano in questi ritratti, catturando non solo il musicista, ma un momento nella storia in continua evoluzione di New York. È sconcertante tornare nei luoghi in cui ho fotografato qualcuno e scoprire che quel posto è stato completamente reinventato o è scomparso. Gli edifici scompaiono. Gli skylines si trasformano. Quelle fotografie diventano documenti archeologici dell’evoluzione di New York City parallelamente all’evoluzione del jazz.
Hai iniziato con la pellicola e poi sei passato al digitale. La tua filosofia di base è cambiata?
Non fondamentalmente. Il mezzo è cambiato, ma l’intenzione è rimasta la stessa. Che mi trovi in un jazz club, in uno studio di registrazione, nell’appartamento di qualcuno o all’angolo di una strada di Brooklyn, sono sempre alla ricerca di qualcosa di specifico: un gesto, la luce, un’atmosfera che vorrei davvero rivedere anni dopo.
All’inizio lavoravi per etichette discografiche, riviste e musicisti; com’è oggi il mercato della fotografia jazz?
Senza dubbio c’è una crisi in tutti i settori creativi. La fotografia, in particolare, è stata rivoluzionata dalla tecnologia al punto che oggi per produrre una buona immagine sono necessarie pochissime competenze specialistiche, quindi l’eccesso di immagini ha ridotto drasticamente il suo valore economico. Trentacinque anni fa, portare una macchina fotografica di grande formato sul posto per realizzare un ritratto richiedeva un livello di competenza tecnica che non tutti possedevano. Nel campo della musica registrata, l’ascesa dello streaming ha reso la distribuzione facile ma i ricavi scarsi, lasciando fondi minimi per gli onorari dei fotografi. I media tradizionali, in particolare le riviste, hanno subito un declino parallelo, con una contrazione delle pagine e dei budget. Mantenere una carriera nella fotografia in queste condizioni è diventato sempre più difficile, specialmente nelle grandi città come New York, dove il costo della vita è diventato astronomico rispetto agli onorari professionali. Spesso suggerisco ai fotografi più giovani che essere in grado di filmare, montare e registrare il suono in esterni sarà necessario semplicemente per avere la possibilità di rimanere competitivi. Adattarsi al cambiamento è sempre stato parte dell’esperienza umana, ma la velocità del cambiamento nelle arti, guidata in gran parte dall’intelligenza artificiale , ha reso l’improvvisazione più importante che mai. Viviamo in tempi molto difficili.
Che ruolo ha avuto tua moglie Dena nel plasmare la tua visione?
Da quei primi scatti dei primi anni Novanta in poi, Dena è stata presente in quasi tutto. Siamo diventati partner creativi nel vero senso della parola, sfidandoci costantemente a vicenda, affinando le nostre idee, spingendoci verso qualcosa di più autentico. Le esperienze condivise sono state profonde: essere invitati da Andrew Hill a sederci ai suoi piedi mentre realizzava la sua ultima seduta per la Blue Note, fotografare visionari come Ornette nel suo loft, Jarrett e Brubeck nelle loro case, immortalare Rollins, Lovano e Metheny a Brooklyn o Mark Turner sotto la pioggia. Mi sono sempre sentito privilegiato di essere in presenza di queste icone. Non importa quanto fossero difficili le situazioni, ho sempre cercato di fare del mio meglio, dati i limiti di tempo, i luoghi difficili o i limiti di budget di ogni situazione, qualcosa che i musicisti affrontano continuamente quando suonano o registrano.
Quando e perché hai fondato Giant Step Arts?
Fin da adolescente sono stato un audiofilo. Durante le centinaia di sedute di registrazione che ho fotografato per le etichette discografiche, mi chiedevo: come suonerebbero questi stessi musicisti se suonassero e registrassero dal vivo davanti ad altre persone? Ho avuto la fortuna di lavorare con alcuni dei più stimati tecnici del suono degli ultimi 35 anni: Rudy Van Gelder, James Farber, Joe Ferla, David Baker, Jim Anderson e, in particolare, Dave Darlington. Il jazz ha una ricca storia di leggendarie registrazioni dal vivo, ma con l’aumentare dei budget, l’attenzione si è spostata verso le registrazioni in studio. Volevo assicurarmi che il jazz continuasse a essere registrato in locali piccoli, intimi e spesso acusticamente imperfetti, come club e bar, dove la musica vive e si è sviluppata. Volevo che i musicisti potessero creare senza vincoli di budget in uno spazio spensierato, condividendo un’esperienza intima con un pubblico dal vivo che avrebbe ascoltato ogni singola nota. Chiedete a qualsiasi musicista jazz: un’esibizione dal vivo cambia il modo di suonare dei musicisti, quindi Giant Step Arts si concentra sulle esibizioni live. Ho iniziato a registrare dal vivo con amici musicisti nel 2008. Ironia della sorte, ho finanziato quei primi microfoni vendendo tre piatti che Elvin Jones mi aveva autografato e regalato dopo una seduta fotografica. Nel 2018 avevo completato più di 150 registrazioni dal vivo in piccoli locali di New York. Quell’anno ho avviato un’organizzazione no profit che funziona come un’etichetta discografica in tutto e per tutto, tranne per il fatto che Giant Step Arts non vende musica. I musicisti sono proprietari dei loro master, controllano le loro decisioni creative, ricevono cd da vendere e file digitali da vendere, oltre a foto e supporto promozionale. Dato che mi occupo volontariamente di tutti gli aspetti dei nostri progetti, siamo in grado di pagare ai musicisti circa l’85% di tutti i fondi che raccogliamo. È stato incredibilmente gratificante restituire qualcosa a una forma d’arte che mi ha regalato tante meravigliose esperienze personali. Non immaginavo quanto sarebbe stato soddisfacente sostenere progetti artistici con un’organizzazione no profit. Durante la pandemia, Giant Step Arts ha prodotto più di 35 concerti improvvisati a Central Park. Due di questi sono diventati i primi dischi jazz mai incisi al Seneca Village, un luogo all’interno del parco che nel XIX secolo è stato il primo insediamento libero dei neri a New York City. Mi riferisco agli album di Jason Palmer «Live at Summit Rock» e di Abraham Burton ed Eric McPherson «The Summit Rock Sessions». Continuiamo a lavorare con Jason Palmer («The Crossover – Live in Brooklyn») e Mark Turner «“Live” at the Village Vanguard»), sostenendo giovani artisti di talento come Rico Jones, Dave Adewumi, Neta Raanan, Ben Solomon e Chien Chien Lu. Giant Step Arts è davvero un lavoro che faccio con amore e che mi appassiona incredibilmente, quindi sto davvero cercando di costruire su ciò che abbiamo fatto finora. Sono davvero onorato che Musica Jazz mi abbia conferito questo premio alla carriera e stia sostenendo Giant Step Arts.
I miei obiettivi futuri sono semplici: organizzare più mostre fotografiche e raccogliere più fondi per Giant Step Arts, in modo da poter aiutare più musicisti a realizzare i loro sogni di registrare dal vivo. Sono sempre alla ricerca di donatori la cui passione per il jazz li spinga a voler partecipare a queste iniziative artistiche.
Intervista a cura di Luciano Rossetti
